岡本信彦の歌い方｜囁き、母音、言葉数から考える声の選び方

岡本信彦の歌い方を考える時、演じる人物の多さだけに注目すると、歌の中の細かな選択を見落としてしまいます。
囁くつもりだった箇所と、かすれさせるつもりだった箇所を、最終的には同じ囁きへそろえる。
高い音へ置く言葉を選び、伸ばしたい旋律では言葉数を減らす。
声の表情は、マイクの前で声色を作る瞬間だけでなく、曲と言葉を整える段階から生まれています。

『Chaosix』の「Overture」では、本人をイメージした爽やかな曲を依頼し、録音で声との相性のよさを実感しました。
転調やラップ調の部分があっても歌いやすいと感じたという点からも、声の置きやすさを、曲の単純さだけでは判断できないことが分かります。

高い音の出しやすさを、歌詞の母音から考える

岡本は自分で詞を書く時、最も高い音に「い」「う」の母音を置かないようにしていると話しています。
その母音では叫ぶような声を出しにくく、ひっくり返りそうになるという、本人の感覚が理由です。
先にできたメロディーへ詞を書く際にも、意味だけでなく、声を出す時の感触を考えているわけです。

同じ高さの音でも、歌詞が変われば、口で作る言葉の形は変わります。
歌う人にとっては、音程と発音を別々に処理するわけにはいきません。
高い音があるから強く出す、という話の前に、そこへどんな言葉を載せるかという選択があるのです。
岡本の話を、誰にでも共通する母音の優劣として読む必要はありません。
自分の声で扱いやすい言葉を把握し、歌詞を書く時にも生かしていることがポイントです。

「Fondant」の囁きは、声の種類を増やすためのものではない

「Fondant」の録音では、1回目のサビに囁きを使い、2回目にはかすれた声で違いをつける案がありました。
しかし、後者は曲に合わなかったため、二つとも囁きに変更。
そのうえで、同じ囁きの中に異なるニュアンスを持たせたと岡本は説明しています。

ここで面白いのは、声の種類を減らしても、表情まで一つにはしていないことです。
囁きと荒い声を並べれば、違いは分かりやすくなる。
けれど、その差が曲を邪魔するなら、もっと近い声の間で変化を作るという選び方もあるのです。
この曲に注目するなら、強い声が出るかどうかより、同じ系統の声を繰り返す時に、どれほど違う言葉として届けられるかを考えたいところです。

旋律を伸ばすために、詰め込む言葉を減らす

「万華鏡」のデモは、一つの音に二文字以上が入るような、言葉の密度が高い形でした。
岡本はそこを、音を伸ばせる、ゆったりした歌詞にしてほしいと依頼しています。
Aメロ、Bメロからサビへと壮大になるメロディーに対して、速く言葉を運ぶ以外の道を選んだのでした。

言葉を次々に替える歌では、一つ一つの音の中で発音が切り替わります。
一方、同じ音を伸ばせる歌詞なら、その響きを保ちながら旋律を進める時間が生まれる。
どちらが優れているという関係ではなく、何を目立たせたいかの違いです。
「万華鏡」で注目したいのは、発声だけで無理にゆったり聴かせようとせず、言葉の量から歌の流れを変えている点。
録音でどんな声を出すかと、そこまでに何を準備するかが、切り離せない例です。

台詞のように歌えても、音楽の時間には収めなければならない

「サクラメント」で岡本が難しいと感じたのは、三拍子や裏拍に加えて、台詞のような歌でした。
入るタイミングがずれると、音程まで不安定に聞こえてしまうと説明しています。
録音だけで成立する形ではなく、ライブでもCDとの差を少なくしたいという考えがありました。

『WAVE!!』のフケ役で参加した「Million Secrets」でも、途中で裏のリズムへ入る箇所に苦労したと話しています。
森久保祥太郎と組むProud of Surf Junkieの曲で、譜割りの難しさと、共演者への緊張が重なりました。
役として歌う場合にも、言葉を音楽の中へ置く作業が別に必要だったことが分かります。

同じ作品の「Ride the WAVE!!」では、英語の歌詞にも苦労しました。
本人は英語が得意ではなくても、フケは話せる人物として歌う必要があったからです。
自分の得意な発音だけで完結できない点にも、役として歌う難しさがあります。

歌の言葉は、話す時のように好きなだけ待ってから出せるとは限りません。
感情を伝える間と、伴奏が進む時間を合わせる必要があります。
声の表情が魅力的でも、言葉の入り口がずれれば、フレーズ全体の聞こえ方が変わる。
岡本の歌で演技性を考える時は、声色だけでなく、言葉を旋律へ収める仕事にも目を向けたいところです。

人物像は、曲に必要な分だけ声へ入れる

『十bilation』収録の「KING」は、1コーラス目を本人名義の歌として捉え、2コーラス目には荒っぽい人物像や笑いの表情を加えています。
一方の「ゴーストルール」では、孤独を表そうとして芝居が強くなりすぎないよう、加減を考えました。
役を思い浮かべることと、全面的に演じきることは、同じではありません。

歌詞からどんな人を思い浮かべるかは、声を選ぶ手がかりになります。
ただし、その人物像をどれだけ表に出すかは、もう一つの判断です。
「KING」のように曲の途中で変化させる方法もあれば、感情を背景に置き、歌の形を保つ方法もある。
岡本の演技経験は、曲の外から個性を足すためだけでなく、歌の中でどこまで見せるかを選ぶためにも使われています。

岡本が提案した、柿原徹也との「Dear chooser」には、台詞も入っています。
個人名義の作品でも、歌う自分を演じるという捉え方ができるのです。

『恋するサイコの白雪くん』では、時枝晴樹役として「心做し」を歌っています。
楽曲を作った蝶々Pは、岡本と、もう一方の曲を歌う村瀬歩について、マイクへの声の乗り方や、内容が伝わる表現を評価しました。
音程の正確さだけでは測れない部分に、作り手も注目していたのです。

これらの曲を比べるなら、声の違いが出る場所にも注目できます。
「Fondant」はサビの中の短い表現、「KING」はコーラス間の人物像、「万華鏡」は言葉の密度というように、変化を作る単位が違う。
すべてを声色の使い分けで説明するより、何をどこで変えているのかを追うと、それぞれの曲の作りが見えやすくなります。

岡本信彦の歌を味わううえで、発声と表現を別々のものとして見る必要はありません。
言葉の母音を選ぶことが、高い音で出したい声につながる。
囁きを選ぶことが、曲の人物との距離を変える。
言葉を減らすことが、旋律を保つ時間を作る。
どんな声を出せるかだけでなく、その声が曲の中でどう働くかまで考えるところに、岡本の歌い方を知る手がかりがあります。

演技と歌の関係が変わってきた歩みは、岡本信彦の歌唱変遷でたどっています。

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