オジー・オズボーンの歌唱変遷｜高く歌う声から、歌い続けられる形を選ぶまで

オジー・オズボーンの歩みには、高い声で押し切る力と、その声を長く歌い続ける難しさの両方があります。
ブラック・サバス初期の録音、ソロでの重ね録り、後年の選曲をたどると、変わったのは音域だけではありません。
声を録る方法、伴奏との関係、歌う場所に合わせた判断にも、大きな変化がありました。

最後まで若い頃と同じ声だったとするのも、晩年を衰えだけで説明するのも、彼の選択を取りこぼします。
ここでは本人と制作陣の証言から、その時々に何を求められ、どう歌を成立させたのかを追っていきます。

1970年、まずは四人で鳴らす歌だった

1970年に発表されたブラック・サバスの最初のアルバムは、短い時間でバンドの演奏を録るところから生まれました。
ベーシストのギーザー・バトラーは、プロデューサーのロジャー・ベインが、ライブのようにスタジオで演奏する方針だったと回想しています。
オジーが追加の歌を録りたいと申し出ても、時間切れでかなわなかったといいます。
歌を細かく作り込む前に、四人の演奏が一つの曲として成立することが優先された出発点です。

その初期の発想は、後年の制作にも残りました。
2020年のアルバムを手がけたアンドリュー・ワットは、「War Pigs」の、ギターのリフと歌が入る隙間の関係を手本に挙げています。
オジーの存在感は、伴奏の上で常に大声を出すことだけから生まれるわけではありません。
楽器が場所を空け、そこへ声が入るという組み立ても、彼の歌を印象づける要素でした。

1970年代半ば、高さが後年の選曲を左右する

『Sabotage』（1975年）の「Hole in the Sky」「Symptom of the Universe」は、後年まで同じ条件で歌い続けられる曲ではありませんでした。
ギタリストのトニー・アイオミは2017年、これらを最後のツアーでも演奏したかったものの、当初のキーが高く、オジーが歌える曲に絞る必要があったと説明しています。
初期から中期に使っていた高さは、数十年後には、実際に何をステージに載せるかという判断に結びついたのです。

「Hole in the Sky」の激しく迫る声は、当時の歌唱を象徴する魅力の一つです。
ただ、その歌が残した印象と、後年に同じ曲を毎晩歌う難しさは、分けて考える必要があります。
録音に残った一度の歌唱と、ツアーを通じて繰り返せる歌唱は、同じ条件ではないからです。

1980年、歌えるキーと、重ねて作る声

1979年にサバスを離れたあと、オジーはランディ・ローズと組み、1980年に『Blizzard of Ozz』を発表します。
オジーは後年、ランディは歌えるキーを探し、ステージでも実行できる形に協力してくれたと語っています。
難しい旋律を一方的に要求する相手ではなく、声に合う形へ曲を動かしてくれる相手を得たことが、ソロの歌作りを支えました。

「Goodbye to Romance」では、ランディが別のキーを試すよう働きかけたと、オジーは振り返っています。
旋律を歌える場所へ置くことも、二人の共同作業でした。

録音面では、エンジニアのマックス・ノーマンの説明が具体的です。
一行ずつ録って選び、さらに歌い直して重ねる方法です。
初期サバスの短時間の収録から、歌を選び直して音を整える制作へ、録音の条件も変わっています。

1991年、強い曲もバラードも届くように

『No More Tears』（1991年）では、プロデューサーのジョン・パーデルとデュアン・バロンが編曲に深く関わりました。
オジーは後年、どの曲もラジオで流れることを意識して取り組んだと説明しています。
サバスの重さへ戻ることだけが目標ではなく、ソロ歌手として曲を届ける方向を磨いた作品でした。
「Mama, I'm Coming Home」はザック・ワイルドとピアノを囲んで作った曲で、力強いバンド曲と並んで、歌の旋律を前に出す役割を担います。

ただし、この時期に初めて柔らかな曲を歌えるようになったわけではありません。
1983年の「So Tired」にも、嘆くような歌と、ピアノやストリングスの美しさを楽しむ聴き方があります。
そうした初期ソロの側面を踏まえると、1991年の変化は新しい声への全面的な転換というより、以前からあった旋律の魅力を、より広く届く曲の中に置いたことと捉えられます。

2000年代、録音できる高さと、舞台で使える高さ

2007年、オジーは、『No More Tears』のデモを聴き返すと、自分の声がもっと高い範囲まで届いていたと話しています。
当時のライブで声の不調も経験していたことを述べており、本人の中にも過去との違いの認識がありました。
一方、その発言だけで、いつからどの音が出なくなったのかを確定することはできません。
分かるのは、録音に残る以前の声と、その時点の舞台で使う声を、本人が比較していたことです。

2010年の『Scream』では、低めの音域で歌う曲がある理由を、オジー自身が説明しています。
ライブでも歌えるようにしてほしいと、プロデューサーのケヴィン・チャーコに求めたというのです。
一行ずつ止めて録れるスタジオとは違い、舞台では息をする間も必要になる。
一曲を通して実演できるかが、制作の条件に加わりました。

チャーコ自身の説明では、『Scream』は歌を録り終えてから、その歌を中心に楽器を組み直す工程も含んでいました。
「Let It Die」の音作りも、その一例です。
初期の一日で演奏を収める方法と違い、録った声に周囲の音を合わせ直せる。
声を支える方法そのものが、録音技術と制作体制の変化によって広がっています。

2017年、毎晩のセットと、一度の録音を分ける

ブラック・サバスの最後のツアーでは、リハーサルで歌えた曲も、翌日以降の負担によって外されました。
アイオミによれば、「Sabbath Bloody Sabbath」などのリフをインストゥルメンタルのメドレーに残したのも、歌を含む全曲演奏とは別の形で作品を届ける判断でした。
曲を演奏しないか、昔と同じように歌うかだけでなく、声の出番を変えて残す方法が選ばれたのです。

2017年2月の最終公演後には、スタジオで「The Wizard」などを演奏する時間も設けられました。
アイオミは、その場なら毎晩歌う必要がなく、オジーが落ち着いて取り組めると説明しています。
ツアーのセットから外れたことは、その曲をどの条件でも歌えないという意味ではありません。
単発の収録と連日の公演を分けたこの判断は、晩年の歌唱を理解するうえで大切な違いです。

2020年代、歌を続けるために制作の条件を変える

2019年のポスト・マローンとの共演からつながったワットとの制作は、『Ordinary Man』（2020年）へ発展します。
オジーは発売当時、ワットが細かく歌い直しを求め続けるより、良いところを捉えて次へ進むことを評価しました。
以前のサバスの制作で何度も歌った経験と対比しており、本人に合う進め方を得たことも、後期の作品を支える変化でした。

表題曲「Ordinary Man」では、エルトン・ジョンと歌を分け合っています。
ワットの説明によれば、エルトンは当初ピアノを録るために参加し、歌の録音はその場から発展したものでした。
第二ヴァースの声までオジー一人の変化として聴くのではなく、異なる歌手を迎えた構成として捉える必要があります。
他者の声と交代することも、晩年の曲に新しい表情を生んだ方法です。

続く『Patient Number 9』（2022年）の制作では、首の痛みで休みを挟まなければならないことがありました。
オジーは、ワットの仕事の速さと、自分の状態を待ってくれる姿勢の両方を評価しています。
ここで確認できる変化は、痛みが特定の声色を生んだということではありません。
休息を取りながらでも、曲へ集中できる制作の環境を作っていたということです。
完成した歌だけでは見えない条件にも、作品を続けるための工夫がありました。

2025年、支えを受けながら届けた最後の歌

2025年7月5日、オジーはバーミンガムの「Back to the Beginning」で、座った姿勢で最後のステージに立ちました。
ソロの曲に加え、ブラック・サバスの四人でも演奏しています。
同月22日に死去したため、この日の歌唱は、長い活動を締めくくるものになりました。

ザックは後に、この公演の「Mama, I'm Coming Home」では、オジーが苦労する音を歌で支えるため、自分のマイクへ近づいたと話しています。
それは若い頃の声が全面的に戻ったという話ではありません。
共演者の支えを受け、その場の声で曲を届けた最後の歌でした。

オジーの変遷を貫くのは、一つの出し方をそのまま保ち続けることではなく、声に合う曲、録り方、演奏の場を選び続けたことです。
高い声の勢い、重ねて整える録音、ライブでの息と持続性、共演者との分担。
その違いを見ていくと、衰えの有無だけでは語れない、歌を続けるための判断が浮かび上がります。
曲の中での声の使い方は、オジー・オズボーンの歌い方でも詳しく取り上げています。

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