ポピー（Poppy）の歌い方｜甘い声、重なるハーモニー、叫びに残す表情

ポピーの歌には、甘く整った声と、耳に鋭く迫る叫びがあります。
ただ、二つの声を使い分ける歌手と捉えるだけでは、その間にある細かな表情が見えてきません。
声を重ねて広がりを作ることもあれば、一つの声の質感をむき出しにすることもある。
曲ごとに何を際立たせるのかを追うと、激しさの奥にある選択が分かってきます。

「Flicker」――声の質感を隠さず前に出す

『Zig』の「Flicker」について、ポピーは声が単独で際立つ部分を挙げています。
そこでは感情と声の質感が、近くに感じられるようになっています。
本人が大切にしたのは、声をミックスの奥へ沈めず、表面の細かなニュアンスまで伝えることでした。

声の印象には、発声と録音の両方が関わります。
楽器に包まれているときには目立たなかった、音の入り方や揺らぎも、声が前に出ると聴き取りやすくなります。
近く聞こえる声を、ただ強く張った声だと捉える必要はありません。

「Flicker」を考えるときの手掛かりは、ポピーがこの露出の大きさを求めていたことです。
滑らかな旋律だけでなく、感情を含んだ声の表面まで届ける。
極端な声色の切り替えがなくても、歌の存在感を強める方法はあります。
この曲は、その細部へ注意を向ける入口になります。

「As Strange As It Seems」――一つの声を重ねて広げる

『Flux』の「As Strange As It Seems」では、ポピー自身が声のハーモニーを気に入っていると語っています。
彼女がその曲に感じていたのは、空間の広がりでした。
スクリームの強烈さとは違う形で、声を印象付ける曲です。

一人の声を重ねると、単独で歌ったときとは異なる厚みが生まれます。
複数の高さや響きが支え合うため、一本の声だけを強く押し出さなくても、歌の占める空間を広げられます。
一声の音量と、重なった歌全体の存在感は、別々に考えられるのです。

「Flicker」で声をむき出しにする方向と比べると、ここでの魅力は、声がほかの声と響き合うところにあります。
ポピーの柔らかい歌を知るには、メロディーを担う声だけでなく、その周りをどう満たしているかにも注目したいところです。
歌の迫力を、叫びの強さだけで説明できない理由がここにあります。

「Never Find My Place」――一曲の中で声の幅を使う

同じ『Flux』の「Never Find My Place」は、ポピーが特に録音を楽しんだ曲でした。
自分の声のあらゆる色合いが入っていると感じ、歌いながら鳥肌が立ったと話しています。
舞台で披露することも楽しみにしていました。

この曲を入口にすると、優しい声と激しい声を、別々の作品に割り振るだけではないことが分かります。
一曲の中でどれだけ表情を動かせるかも、彼女にとって大きな楽しみになっている。
歌を一種類の声色に整えるより、使える幅を生かそうとする姿勢が見えてきます。

歌の表情を追うときは、音の高さ、声の強さ、声色を分けて捉えると分かりやすくなります。
高い音でも軽く歌うことはでき、低い音にも鋭い質感は加わります。
ポピーの場合も、激しく聞こえる箇所をすべて高音としてまとめるより、何が強い印象を作っているのかを一つずつ聴いていくと、声の幅を捉えやすくなります。

「the center’s falling out」――叫びに表情を残す

『Negative Spaces』の「the center’s falling out」は、スティーヴン・ハリソンのリフと、その日は叫びたいというポピーの気持ちから生まれました。
採用された歌には、笑ったり、顔をしかめたり、歯を食いしばったりした自分の表情まで感じ取れると、本人は話しています。

制作を担ったジョーダン・フィッシュも、この曲の叫びの鋭さと攻撃性に強い印象を受けていました。
ただし、自分がそのスクリームを作り上げたという説明にはしていません。
制作相手が変わったことと、本人の声の出し方が一から変わったことは、分けて考える必要があります。

この曲の話で注目したいのは、本人が叫びの中にも複数の表情を感じている点です。
スクリームを入れるか入れないかだけでなく、そのテイクにどんな感情が残っているかを見ている。
一度叫べたら完成ではなく、曲に残したい瞬間を選ぶ作業が、録音の歌を形にしているのでしょう。

ここでいう鋭さは、聴こえる声の特徴です。
それだけで、喉のどの部位を使う発声なのかを特定することはできません。
ポピーの表現を知るうえでは、技法名を先に当てはめるより、旋律を歌う声との質感の差や、叫びの中に残る感情へ耳を向けるほうが、曲の狙いに近づけます。

「V.A.N.」――人間らしくない調子も、歌の役柄になる

「V.A.N.」でBad Omensのノア・セバスチャンが求めたのは、AIのように人間離れした歌の存在でした。
歌の運びや言葉の調子を思い描くと、ポピーが自然な候補になったといいます。
一部を分け合う共演ではなく、歌全体を彼女に任せる形になりました。

親しみのある感情を込めることだけが、歌の表現ではありません。
人間から離れた存在を演じるなら、距離を感じさせる声が曲の世界に合う場合もあります。
ポピーが持つ人工的な印象は、初期の人物像にとどまらず、別の作り手が描く物語にも使える表現だったのです。

「Public Domain」と「Guardian」――同じ作品でも役柄を変える

『Empty Hands』の「Public Domain」では、芝居がかった、機械的で人をからかうような調子が、曲の風刺と結び付きます。
一方の「Guardian」には、勇気や愛情を含む柔らかな側面があり、ポピーは書いたあともそのメロディーを家で繰り返し歌っていました。

機械的に感じられる声も、感情が欠けているという意味ではありません。
「Public Domain」では、その調子自体が、相手を突き放すような人物像を作ります。
対して、耳に残るメロディーに親しみを感じる「Guardian」では、別の感情が歌の中心になる。
声を人間らしく聞かせるかどうかさえ、曲の役柄に応じた選択になっています。

ポピーは、ツアーで歌を試すことが、スタジオでの制作にも影響すると話しています。
自分の耳を引き、客席も歌いたくなるサビを求める姿勢は、近年の作品を理解する手掛かりです。

試した声から、曲に残す一つを選ぶ

ポピーは、歌の録音ではエンジニアだけがいる環境を好みます。
何度でも試し、自分でテイクを選べる自由を大切にしているからです。

声を近くに感じさせる「Flicker」、ハーモニーを広げる「As Strange As It Seems」、叫びの細かな表情を残す「the center’s falling out」。
ポピーの歌い方には、曲によって違う判断があります。
甘さと激しさの落差を入口にしながら、その曲では何をむき出しにし、何を重ね、どの表情を残したのかまで追ってみる。
そこに、彼女の声をもっと面白く聴ける手掛かりがあります。

表現が広がってきた歩みは、ポピー（Poppy）の歌唱変遷でたどっています。

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