雫（ポルカドットスティングレイ）の歌い方｜「ショートショート」を真っすぐ歌うのが難しかった理由

聴き手が歌いやすい曲を作ろうとしたら、自分のレコーディングはかえって難しくなった。
ポルカドットスティングレイの雫が「ショートショート」について明かした話は、彼女の歌い方を考える手掛かりになる。
普段の自作曲には音程の大きな上下があり、歌うのが難しい。
それを知っている本人が、この曲だけはカラオケで歌う人を想定して、真っすぐに歌うことを選んだのだ。

雫の特徴は、一つの声の出し方よりも、曲を誰がどう歌うかを考えて、歌い方を選ぶところにある。

「ショートショート」では何を簡単にしたかったのか

2017年、雫はラジオ番組で「テレキャスター・ストライプ」を歌いたいというリスナーに対し、「ショートショート」を薦めた。
自分の曲は音程の上下が激しく歌いづらいと理解したうえで、この曲は真っすぐに歌うことを心がけた、と語っている。
目指したのは、技巧を誇示する歌ではなく、歌った本人が気持ちよくなる曲だった。

「真っすぐ」は、ただ簡単に歌えばよいという意味ではなかった。
本人はその選択のために、録音は逆に難しかったと述べる。
歌う側には気持ちよい曲を渡す。
そのために本人は、慣れた複雑な運び方と違う歌唱に取り組んだ。

当時のアルバム『全知全能』の取材でも、雫はサビの伝わりやすさを考え、みんなで歌える曲を増やしたと説明していた。
複雑さを楽しむ聴き手だけでなく、新しく増えた学生や若い女性にも曲を渡したいという背景があった。
「ショートショート」の真っすぐさは、歌の個性を薄めるためでなく、聴く人が自分の声で参加できる入口を作る選択だった。

ポルカドットスティングレイの雫 — 2024年の取材に登場した雫。
写真出典：Billboard JAPANの本人取材

「サレンダー」は歌とギターの両方が難しい

比較すると「サレンダー」は、雫が自分の曲の中でも最も難しいと挙げた一曲だ。
2017年の放送では、ギターのパートも難しく、自分でも弾きながらは歌えないと話していた。
曲の難易度を声だけの問題にしてしまうと、この話を取り逃がす。
彼女は歌い手であると同時にギタリストであり、どのフレーズを歌うかと、同時に何を弾くかがぶつかる。

しかも雫は、「サレンダー」では息を多めに含む、大人っぽい歌い方に挑んだとも話している。
難しい旋律を全部強く張って通すのとは違い、息の混ざる質感も表現の一部にした。
音程の動き、ギターとの同時演奏、声に含める息の感じは、別々に考える必要がある。
曲を難しくする要素が一つではないことが、この例から分かる。

「ショートショート」を歌いやすく設計した人が、別の曲では演奏と歌の両立が難しいほどの構造を残した。
歌う人へ開く曲と、バンドとして挑む曲で、同じ作り手が難しさの配分を変えている。

「フレミング」は、声もリズム楽器になる

同じ『全知全能』の「フレミング」では、雫は歌をリズム楽器のように置いたと説明している。
ミドルテンポのファンキーな曲で、リズムは跳ね、ベースにはスラップが入る。
その上で選んだのは、ラップに近い歌い方だった。
高く伸ばす音だけを聴くより、言葉のまとまりがリズムをどう作るかへ耳を向けると、この曲の狙いをつかみやすい。

雫はこの曲も、息を多く含む歌い方に挑んだ例に挙げている。
声の質感を柔らかくすることと、リズムの動きをはっきり伝えることは、同時に選べる。
「ショートショート」では旋律の伝わりやすさを、「フレミング」では声そのものが作るノリを重視する。
同じアルバムの中で歌の役割を変えているから、どれも一律に強く歌えば雫らしくなるわけではない。

「テレキャスター・ストライプ」の言葉は、感情の説明を急がない

初期の「テレキャスター・ストライプ」を雫自身の恋愛を歌ったものとして聴くと、歌い方まで告白のように説明したくなる。
しかし本人の説明は違う。
恋愛に見える言葉は意図的に選び、主題はヒットチャートに入るポップソングだった。
明快な一つの意味を歌詞で押し出すより、先にメロディーを覚えてもらうことを重視していた。

この曲で注目したいのは、言葉を一義的な物語へ閉じない設計だ。
聴き手はメロディーを追いながら、気になる言葉にそれぞれの意味を見いだせる。
雫にとって歌は、メロディーを覚えてもらうことと、意味を決めつけずに届けることの両方を担っていた。

バラードでも、声を張ることと抜くことが同居する

2016年の『骨抜き E.P.』で、雫は「心ここに在らず」を、リズムが弾むバラードとして作ったと話している。
収録曲の中で一番声を張ったとも明かす。
「バラードだから静かに歌う」という型を先に置かず、自分が飽きずに聴けるリズムと、声を前に出す場面を両立させたのである。
四つ打ちの曲だけのバンドだと思われたくなかった、という意図もそこにつながる。

この曲では、ベースのウエムラユウキも歌を邪魔しないよう音数を抑えたと説明している。
一方、ドラムのミツヤスカズマは、跳ねる部分と跳ねない部分がある曲として捉えていた。
声を前に出す余地を作りながら、伴奏の感触は一曲の中で変わる。
ゆったりした曲でも、歌い手が向き合うリズムは単調ではない。

2017年のツアーを取材した荒金良介は、「心ここに在らず」の裏声の使い方と、感情が表へ出る歌を印象に残している。
同じ公演の「ベニクラゲ」では、ささやくような声を交え、叫びと旋律の間を行くような歌として記した。
声を張ることと、息を含ませたり裏声を使ったりすることが、一つの表現の幅を作っている。
バラードという曲種だけで、雫の声の強さを決めることはできない。

「JO-DEKI」では先に主人公を作らない

普段は聴き手を想定し、年齢や仕事まで考えた主人公を作ってから歌詞を書く。
雫は自分の方法をそう説明している。
一方「JO-DEKI」は、メロディーを鼻歌で探るうちに題名の言葉が浮かび、本人の不満や決意を一気に書いた曲だ。
作り上げた人物に言葉を託すときから、自分自身の思いを歌うときへ、声が担う立場が変わった。