畠中祐の歌い方｜力強い声をほどく、裏声と息と言葉の選び方

畠中祐の歌は、力いっぱい歌い切る印象だけで捉えると、細かな面白さを取り逃がします。
声に厚みを持たせたい曲もあれば、裏声で景色を広げたい曲もある。
強く歌える声を、どこで張り、どこでほどくのか。
本人が語る録音での試行錯誤から、その選び方を見ていきます。

張り上げる勢いと、伸びのある声を選び分ける

「DO IT」では、以前のように勢いで張り上げる歌から、本人がミックスボイスに近いと捉える声へ変化をつけました。
目指したのは、涼しげな印象と、音圧や伸びのある歌唱の両立です。
声を押し出した勢いだけで曲を進めず、伸びる感触にも魅力を持たせる。
ミックスという言葉は、ここでは本人が説明した手応えであり、全曲の高音を一つの発声法に分類する意味ではありません。

力を抜くという言い方には、弱く歌うことも、声の勢いを整えることも含まれます。
「DO IT」で考えたいのは、後者の違いです。
声が十分に届く力を残しながら、押しつける印象は減らせる。
その余地が、ダンス曲の軽快さと歌の存在感を一緒に支えます。

「Greatest Loser」では、曲の途中で力の配分を変えています。
AメロとBメロでは声を積極的に出そうとせず、抑えるように求められました。
負け続けながら上をにらみ、少しずつ這い上がっていくというイメージです。
サビでは抑えなくてよくなり、そこへ気持ちを込めたといいます。
強い部分を生かすために、その前を抑えておく歌い方です。

「ボトルメール」で裏声を選ぶのは、景色を広げるため

「ボトルメール」で畠中が選んだのは、地声よりもファルセット、つまり裏声でした。
グアムで目にした景色の広がりを表したくて、一点へ強く声を放つより、世界が広がるような歌を考えたのです。
同じシングルの「Regret」では、照明を落とし、力を抜いた状態からこぼれる声を録っています。
冒頭の語りも、芝居を強くつけすぎると曲に合わないため、演じる加減を探りました。

裏声を選ぶ理由は、高い音へ届くかどうかだけではありません。
「ボトルメール」では、どんな広がりを感じてもらいたいかが声を決めています。
一方の「Regret」は、自分の内側へ向かう歌。
大きな感情を表すときにも、声を大きくするとは限らないのです。
言葉がふと漏れたような出し方だからこそ、ためらいや後悔を想像する余地が生まれます。

繊細に歌うため、録り方まで変えたバラード

「まだあなたを描いてる」では、別れの感情を繊細に歌うことに苦戦しました。
もっと細やかに表したいと試行錯誤し、一部はアカペラで録音する方法も選んでいます。
年齢を重ねたから自然に歌える、と済ませず、その曲に必要な声を探したのです。
完成曲全体が無伴奏という意味ではなく、歌を録る過程での工夫でした。

力強い曲を歌えることと、感情の小さな揺れを表せることは、別々に向き合う必要があります。
少し控えめに歌えば終わりではなく、その控えめな声の中に何を残すのか。
録り方を変えるほど悩んだという出来事からも、畠中が静かな歌を軽い課題として扱っていないことが分かります。

「Psycho」では、息も一つの表現になる

「Psycho」の録音では、Jeff Miyaharaが歌う畠中と同じコントロールルームに入り、フレーズごとにやり取りしました。
畠中にとっては、Aメロやサビといったまとまりで録る普段の方法とは違う進め方です。
水から顔を出す瞬間のようなイメージで息の音も録り、閉塞感からサビの開放感へ向かう表情を探しています。
音程や音量だけでなく、どんな状況の人が発する声かを共有した録音でした。

歌の息は、次の音のために吸う空気であると同時に、気持ちを伝える音にもなります。
ここでは息づかいを含めて、一つの場面が作られています。
曲の大まかな感情を最初に決めるだけでなく、一つのフレーズをどう始めるかまで、制作側と確かめていく。
畠中の細かな表現は、こうした対話によっても引き出されています。

「Endless Love」では、歌っているときの感触と、録った声との違いも発見しました。
自分ではかなり粘りをつけたつもりでも、録音を聴くと意外にあっさりしていたのです。
やりすぎかもしれないと思うほど試したことで、まだ濃く表せる余地を知った。
歌い手の手応えだけでなく、実際に残った表情を確かめながら選んでいることが分かります。

歌を飾るフェイクと、まっすぐ届かせる言葉

2023年のミュージカル「シャボン玉とんだ宇宙までとんだ」では、本人名義の歌とは違う判断をしています。
普段は旋律を崩したり飾ったりするフェイクを楽しむ一方、この舞台では台詞の続きとして歌うため、まっすぐに言葉を届けることを重視しました。
同じ人の歌でも、言葉が物語を進める場面では、飾りを加えない選択があるのです。

役の歌では、声だけを先に作るとも限りません。
香賀美タイガの「レジェンド・ワールド」では、もっと熱くという指示を受け、役の前のめりな姿勢を意識して歌っていました。
畠中自身は、役の立場へ意識を変えることで、マイクへ向かう姿勢も声も変わると説明しています。
これは本人の表現上の実感で、誰にでも同じ音色を生む姿勢の決まりではありません。

旋律に乗る気持ちよさを優先するのか、その言葉を誰かへ伝えるのか。
声の色を考える前に、歌が果たす役割を選んでいるところが興味深い点です。
歌に装飾が多いほど表現豊か、という単純な物差しでは、この使い分けは捉えられません。

同じシングルでも、ラフな声と厚い声を残す

「It's time to fly!」では、作曲者XinUの仮歌を参考に、ラフな歌い方やフェイクを楽しみました。
元気に歌いすぎるといつもの自分に戻るため、力を抜く程度も調整したといいます。
対して同じシングルの「5 A.M.」では、これまでの音の厚みを求め、自分の癖も生かしました。
新しい歌い方を試すときにも、以前の声を捨てる必要はないのです。

山下大輝との「Go ahead!」では、声を出せるかと、楽しさが伝わるかを分けて考えています。
元の女性歌唱のデモはもっと高く、山下の判断でキーを下げました。
苦労して歌う印象が楽しさより前に出ないようにし、ライブも想定した調整です。
畠中も下げてよかったと応じています。
高く歌える能力があっても、曲に合う高さを選ぶことは別の大切な判断です。

張りを整える「DO IT」、裏声で景色を広げる「ボトルメール」、息づかいまで表情にする「Psycho」。
畠中祐は、声の強さだけでなく、言葉の運び方や表す気持ちを選んでいます。
歌の迫力は、その選択の幅があるからこそ生きる。
力強さと細やかさを行き来するところに、彼の歌い方の面白さがあります。

こうした選択が活動の中でどう広がったかは、畠中祐の歌唱変遷でたどっています。