WOODZの歌い方｜高音を張る力と、声を軽くする選択

WOODZの歌を聴く時、高く伸びる声にまず耳が向く人は多いでしょう。
でも、その高音をずっと同じ強さで出し続けているわけではありません。
息を含む軽い声、ファルセット、ギターに応じる歌、途中で力を蓄える構成。
曲の中で声の役割を分けて見ると、ハイトーンの印象も変わってきます。

高音の難しさは、最高音だけで決まらない

「Drowning」と「I’ll Never Love Again」の違いを、本人は高い声が続く場所から説明しています。
前者は2番にも高音があり、後者は途中で少し休めるようにしてからサビへ進む。
同じように高く歌う曲でも、声を使い続ける時間が違います。
一番高い音だけを取り出すより、その音へ至るまでにどれだけ歌っているかを見るほうが、難しさを捉えやすいのです。

2023年のソウル公演でも、「Drowning」の後に息を切らす本人の姿が記録されています。
高音が出る歌手でも、一曲を歌い終えるまでの負担がなくなるわけではありません。

迫力のある一音を目標にすると、その前の弱い声や、短く歌う部分を飛ばしてしまいがちです。
一曲のどこで声を使い、どこで次へ備えるか。
WOODZ自身が考えた構成は、声を曲全体で捉える手掛かりになります。

息を含む声とファルセットで、切実さを残す

「Meaningless」は、ささやくような歌い出しから、柔らかなファルセットへ向かう曲です。
強い声を小さくしただけではなく、声の質感そのものを軽くする。
聴き手へ近づくようなこの表現も、WOODZの声の一部です。

「WAITING」では、軽く息を含んだ歌い方が、別れを前にした落ち着かなさと結びついています。
ファルセットへ移ることが、気持ちの揺れを強める場面にもなります。
ここでは、裏声を高い音へ届くためだけの手段と考えると、表現を狭く見てしまいます。
言葉を強く言い切れない感じや、感情がこぼれる感じを、声の軽さに任せる選択があるのです。

2026年のロンドン公演の「Busted」も、柔らかな歌と、強く打ち出すサビの対照が指摘されています。
一曲の中に穏やかな場所を残すことで、強い声が出てきた時の印象も大きくなる。
高音だけを切り離さず、前後の声と一緒に味わいたい曲です。

ギターに任せるところ、自分の声で担うところ

「FEEL LIKE」では、明るく澄んだ声とギターが、二人で歌うような関係を作ります。
楽器にも十分な表情があるから、声が全部の瞬間を埋めなくても曲は進む。
歌の強さだけでなく、周りの音へ何を任せているかも聴きどころです。

同じ『SET』の「Touché」について、本人はほかの曲より音の上下が少ないところを挙げています。
その分、曲を作る要素の組み合わせが面白いと説明しました。
大きく音程を動かす曲と、限られた動きの中で聴かせる曲。
自分の高音が使える場面でも、いつもそれを中心にするとは限りません。

ギターが強く残るのは、近くで制作するHOHOがギタリストであり、本人もギターソロのあるバンド音楽を好きだからです。
一緒に演奏する時の即興も楽しんでいるといいます。
声の表情を考える時、その隣に誰の音があるかも大切になります。

歌う人物を決めると、声の態度も変わる

WOODZは制作時、歌う人物がどんな人で、どこにいるのかを想像します。
映像のない曲でも、その姿を考えているのです。
強い曲同士に共通する人物を思い描くこともあり、「Trigger」と「Dirt on my leather」「HIJACK」を結びつけています。

『ONLY LOVERS LEFT』では、一曲ごとに独立した声を並べるだけでなく、恋が始まり、別れへ向かう順番があります。
最初から最後まで同じ気持ちで歌わず、物語のどこにいるかによって声の意味を変える。
ジャンルが違っても、一枚の作品としてつながる理由です。

歌詞の意味を理解することと、その言葉をどんな態度で出すかを決めることには、もう一段の違いがあります。
相手へ近づきたいのか、反発したいのか、弱さを隠せなくなっているのか。
声色を飾りとして足すより、人物の気持ちと結びつけたほうが、曲ごとの違いをつかめます。

デモに入った歌い方を、完成版へ渡す

本人は2021年、デモから本番の録音へ移る時も、大きく変えることは少ないと話しています。
少し整える程度で、最初に作った歌の形を残す制作です。

「우리만의 이야기（Our Story）」では、共演したイ・スンチョルがWOODZのデモを繰り返し聴いています。
自分のいつもの歌い方へ置き換えるより、WOODZが曲へ込めた感触を残したいと考えたからでした。
音程やリズムの見本だけでなく、どう歌えばその曲になるかまで、デモに入っていたと考えられます。
完成した曲を歌う人であると同時に、曲の声を最初に形にする人でもあるのです。

強い声を、公演の最後まで使うために

2026年のツアーに向けて、WOODZは特別な儀式より、継続した運動と十分な睡眠を挙げています。
国をまたぐ移動では時差も大きく、普段の条件を整えることが必要でした。
また、以前は公演の一曲目に緊張を感じやすかったのに対し、「Bloodline」で始める現在の構成は、集中して舞台へ入る助けになると話しています。
声を出す直前の気持ちまで、曲の並べ方に関わっています。

テキサス公演では、ロックで張る高音に加え、長く保つファルセットも評価されています。
高い声といっても、強く押し出す響きと、軽く保つ響きは同じ印象にはなりません。
高音のすべてを一つの発声の名前でまとめるより、どんな質感を求めた場面なのかを見る必要があります。
また「To My January」では、アカペラで客席の声が重なる場面もありました。
強く歌うこと、軽く響かせること、人の声を迎えることを、一つの公演で行き来しています。

本人は今も、発声を練習し、先生と歌について相談しています。
一方で、先輩から受けたのは、技術だけでなく感情の違いにも目を向けるようにという助言でした。
歌える技術を積み重ねながら、その技術で何を表すかを考える。
この両方が、WOODZの歌を支えています。

WOODZの高音の魅力は、音の高さだけで完結しません。
軽い声から強い声へ動き、ギターへ場所を譲り、サビへ向けて力を残す。
その選択をたどると、張りのある歌も、静かな歌も、同じ歌手の表現としてつながってきます。

初期のR&Bからロック、兵役前後の制作と舞台の変化は、WOODZの歌声の変遷でたどっています。

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