堀込高樹の歌い方｜柔らかな声の芯と、曲ごとに選ぶ力の入れ方

堀込高樹の歌い方を考える鍵は、強く張る声と、柔らかく届く声を分けて捉えることです。
KIRINJIの歌には、力を抑えても主旋律の存在感を保つ場面があり、低めの音域を使うことで表情をつけやすくなる曲もあります。
一つの声色を守るより、曲に合う高さや響き、言葉の置き方を探す。
その選択を、本人の制作時の説明と具体的な曲から見ていきます。

柔らかく歌っても、声を頼りなくしない

『cherish』では、高い声やファルセットを含む柔らかな歌唱が注目されました。
高樹自身も、以前ほど張らなくてよくなったと説明しています。
ベースの千ヶ崎学は、シンプルなリズムの上で、歌が情感を担う幅が広がったと受け止めていました。

柔らかさは、単に音量を下げれば得られるものではありません。
伴奏の中で言葉や旋律を伝えるには、力を抑えた声にも、主役としての輪郭が必要です。
強く押し出すところだけでなく、声を軽くした後も言葉が追えるか、旋律の流れが残るか。
そうした部分に目を向けると、張らない歌の働きが分かりやすくなります。

ファルセットも、ただ高い音へ届くための手段として見るだけでは不十分です。
同じ曲の中で声の質感が変われば、旋律の印象も変わる。
『cherish』での柔らかな声は、リズムの強さと歌のしなやかさを両立させる方向に置かれていました。

「Rainy Runway」は、サビのために導入を低くする

「Rainy Runway」では、サビの最も高い部分を、力んだり硬くなったりせず響かせられる高さへ置きました。
その結果、サビ以外は普段より低めになりましたが、本人はそのほうが細かなニュアンスをつけやすいと感じています。
高い部分を頑張って出すのではなく、歌全体の高さを選び直した例です。

曲のキーを考えるときは、一番高い音が出るかだけでは決められません。
途中の多くの言葉をどの高さで歌うことになるか、その場所で表情を変えられるかも関わります。
導入とサビに高低差があれば、同じ強さで歌い続けなくても展開は作れる。
この曲では、その差を本人が自然に響かせられる範囲へ収めることが大切だったのです。

高音の迫力だけを目指すと、低い部分を準備のように扱ってしまいがちです。
けれど、低い場所で言葉に表情がつけば、サビへ向かう時間そのものが豊かになります。
柔らかな歌を支えるのは、声量だけでなく、どの高さで何を語るかという判断でもあります。

同じ言葉でも、歌い方で行き先を変える

「明日こそは／It’s not over yet」では、同じ言葉の繰り返しに異なる意味を持たせました。
前半は、行動を先延ばしにしている人のように。
後半は、本当に何かが始まりそうな気配へ。
高樹は、歌い方を変えることで、その違いを作ったと話しています。

歌詞が同じだから、毎回同じ歌い方になるとは限りません。
同じ言葉が戻ってくることで、前に聴いたときとの違いがむしろ伝わりやすくなります。
音程を正しくなぞることに加え、その言葉を今どんな気持ちで差し出すかが、曲の進み方を決めるのです。

「Rainy Runway」でも、一番と二番でサビの表情を変えることを意識していました。
演奏や歌詞の変化に歌も伴わせるため、何度も試して仕上げています。

同じ旋律が現れる箇所を続けて追うと、この工夫に注目できます。
サビを一回だけ抜き出すより、曲が進んだ後に同じ場所へ戻ってきたとき、何が違うかを見る。
高樹の歌にある物語は、言葉の内容だけでなく、その繰り返し方にもあります。

「善人の反省」は、ギターの動きを歌へ移す

「善人の反省」では、最初に試したラップ寄りの歌が、本人にはしっくりきませんでした。
そこで、ギターなら自然にできる溜めや細かなリズムの動きを、歌に移そうと考えます。
楽器のフレーズのような旋律へ、歌いながら言葉を当てはめたのでした。

長く伸ばす声の気持ちよさと、言葉を細かく運ぶ気持ちよさは、違うところにあります。
後者では、高い音を出すこと以上に、どこに言葉を詰め、どこに間を残すかが印象を決めます。
ギタリストとしての感覚を歌へ持ち込むことで、同じ声にも違う動きが生まれる。
旋律の形とリズムを、切り離さずに考える歌い方です。

「気化猫」では、声を重ねて伴奏の一部にもする

『crepuscular』の「気化猫」では、主旋律とは別に、重ねた声の働きにも注目できます。
高樹は、少ない編成の空きをシンセで埋めるより、自分の声を重ねるほうが豊かになると考えていました。
複雑なハーモニーも人の声で鳴らすことで、ジャズのコーラスグループのような印象が生まれると説明しています。

一人の声が前に出る部分と、その後ろで別の声が響きを作る部分は、役割が違います。
主旋律を太く歌うことと、録音した声を何層にも重ねることも、同じではありません。
歌の厚みを全部一声の強さとして捉えると、こうした作り方は見えにくくなります。

高樹の声は、言葉を語る主役であると同時に、曲の色を作る楽器にもなっています。
前の声だけを追った後で、その後ろに残る響きへ注意を移すと、同じ歌い手が担う二つの役割が分かれてきます。
その組み合わせが、少ない編成でも音楽を細くしない方法になっているのです。

一人で歌う「進水式」は、合唱版とは別の近さを持つ

『EXTRA 11』の「進水式」は、2014年の『11』とは編成が異なります。
前半をギターと歌だけにし、歌は高樹一人で通す形です。
本人は、多人数で歌うときと一人で歌うときでは、同じ曲でも意味合いが違って聞こえると説明していました。

複数の声が重なれば、聴き手はその広がりや人数を受け取ります。
一声になれば、その人が言葉を運ぶ様子が前へ出る。
声を増やすほうがいつでも表現豊かになるわけではなく、残す声を減らすことで伝わるものもあります。

この二つの「進水式」を比べるときは、声の高低や大きさだけでなく、誰がこちらへ語っているように感じるかにも注目できます。
大勢で共有する歌と、一人が差し出す歌。
編成の選択が、歌声と聴き手の関係を変える例です。

2015年『EXTRA 11』収録版。

自然な言葉の運びは、録り直しながら探している

2025年の「歌とギター」を語った際、高樹は、自作曲でも言葉を旋律へ乗せることに慣れるまで時間がかかると明かしました。
練習して録り、翌日に聴き直し、納得できなければやり直す。
その過程で、発音や歌い出すタイミングの小さな違いが、リズムの感触を変えるとも話しています。

言葉は、意味を伝えると同時に、リズムを作る音でもあります。
同じ音程の並びでも、発音するタイミングが変われば、伴奏との重なり方が変わります。
自然に語っているように届く歌も、何も考えず一度で歌った結果とは限りません。
歌い手が言葉を自分の動きにしていく時間が、その自然さを支えることもあるのです。

2026年2月のNHKホール公演では、「非ゼロ和ゲーム」にアドリブを交え、曲の勢いを高める歌が伝えられています。
一方、「Drifter」では穏やかに熱を込め、続く「真夏のサーガ」では高らかに歌い上げました。
声の強さや動きを、その場の曲に合わせて変える姿です。

2026年2月11日、NHKホール公演のダイジェスト。

堀込高樹の歌い方は、柔らかな声という一言では終わりません。
芯を保ったまま力を抑え、響かせたい高さを選び、言葉の意味に合わせて同じ旋律の表情を変える。
声を重ねる場合も、一人に絞る場合も、曲をどう届けるかが出発点にあります。
穏やかさの中に動きがあるのは、その選択を細かく積み重ねているからなのです。

歌う役割が増え、できる歌い方を広げてきた歩みは、堀込高樹（KIRINJI）の歌唱変遷でたどっています。

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