宮沢和史の歌い方｜強さと優しさを両立し、共演する音から声を変える

印象を強く残しながら、優しく届ける。
宮沢和史が『SPIRITEK』の録音で意識したこの両立は、歌い方を知る手がかりになります。
声を大きく出せば強くなる、抑えれば優しくなるという単純な話ではありません。
相手の演奏を受け取り、その歌に必要な伝わり方を探すことが、宮沢の歌にはあります。

「島唄」の歌手という印象から少し離れ、ピアノとの同時録音、タンゴ、民謡のバラード化、朗読を並べてみましょう。
声を同じ型に収めず、何を前に出すかを選ぶ姿が見えてきます。

強く歌うときも、声の勢いと言葉の届き方を分けて考える

2025年の弾き語り公演では、取材者が宮沢の声の太さと伸び、歌詞を噛みしめる姿を印象に残しています。
「風になりたい」と「難破船」を支えたのは、柔らかく指で弾くナイロン弦のギター。
声の存在感と、穏やかな伴奏の取り合わせです。

2016年1月のツアー最終公演では、動き回りながらのシャウトから、最終曲「遠い町で」の言葉を噛みしめる歌唱までを見せました。
一つの公演のなかに、体ごと客席を動かす場面と、一語ずつ手渡すような場面がある。
宮沢の力強さを知るには、声の勢いだけでなく、言葉をどんな距離で届けようとするかを見る必要があります。

『SPIRITEK』では、提供先の歌手による原曲を生かす場合も、別の世界にする場合もあったといいます。
自作曲でも、歌う段階では答えを決めつけないのです。

一つのフレーズのなかでも、声の質感を選ぶ

2025年6月、びわ湖ホールの小ホール公演は、ピアノとギターを中心とした編成でした。
この公演を聴いたボーカル指導者の東氏が注目したのは、曲ごとに加え、フレーズや歌詞、音の高低に応じて声質を選ぶ点です。
一曲を一つの声色で押し通すのではなく、その中でも表情を選んでいる。
太い声という第一印象から、もう一歩踏み込んだ見方です。

同じ記録では、リズム隊のいない演奏を歌が動かしていたことや、4拍子の2拍目に一度手を打つだけで客席の乗り方を導いたことも挙げられています。
声は旋律を運ぶと同時に、演奏全体の時間の流れも作る。
小さな編成だからこそ、歌そのものが担う役割がよく見える場面でした。

「何もいらない」では、ピアノに誘われて声を出す

「何もいらない」は、矢野顕子のピアノと宮沢の歌を同時に録音した曲です。
宮沢は、ピアノの音色に誘われて歌えたと振り返っています。
二人の個性が歩み寄った瞬間の演奏は、そのあと繰り返しても同じにはならない。

伴奏を聴きながら歌を動かす、二人のやり取りが核にあります。

同じ自作曲でも、「ピアノ」はタンゴとして歌い直す

小泉今日子に提供した「ピアノ」は、もともとファドを意識して作った曲でした。
宮沢は、自分が歌うならタンゴにしたいと小松亮太へ相談し、オーケストラと録音します。
伴奏だけをタンゴ風に飾るのではなく、歌も演奏もその音楽として成立させる選択でした。
自作曲を自分の声に戻すとき、元の歌唱をなぞる必要はないのです。

『SPIRITEK』の制作で宮沢が感じたのは、歌を中心に置くことの難しさでした。
サウンドの工夫に守られず、歌い手の力量がそのまま問われる。
だから、慣れた癖を持ち込むより、一曲ごとにマイクへ向き合う方法を探しました。

「白雲の如く」は、民謡の言葉が届く速度へ

2021年の「白雲の如く（白雲節）」では、沖縄の恋の歌を共通語へ訳し、もとの跳ねるリズムをバラードへ変えています。
会いたい人に会えない時代に、その歌を広く届けたかったからです。
元の形を知らない人にも、まず感情が伝わる入口を作ったのでした。

編成もピアノを中心にし、三線は最後に少し登場させる形。
土地の音色を最初から強く打ち出すより、歌が語る思いに近づける構成です。

民謡の様式をそのまま示すことより、言葉が伝わるリズムを選ぶ。
この曲では、その判断に宮沢の歌手としての姿が表れています。

「最大新月」では、話す声も音楽になる

『次世界』の「最大新月」は、詩の朗読を使った作品です。
宮沢は、歌詞と違って決まった制約がないからこそ、朗読ではいくらでも音楽的に表現できると考えています。
ピアニストと競り合うような関係も作れる。
歌の旋律をいったん離れても、声と言葉で場を作ることは続いているのです。

友部正人に誘われて試した朗読には、同じ箇所を繰り返す自由もありました。
宮沢が歌詞にも求めるのは、声に出して読むだけでも成立する言葉です。

2020年8月15日のライブ音源。

「The Drumming」では、声を輪に加わる合図にする

2015年の「The Drumming」では、宮沢は琉球音階からいったん離れ、沖縄にはないリズムも取り入れました。
それでも沖縄の力を感じられるよう、かけ声を入れています。
目指したのは、沖縄を中心にしながら、アフリカやブラジルの人も一緒に演奏できる音楽でした。

朗読では言葉が自由な時間を作るのに対し、ここでは声が一緒にリズムへ入るきっかけになる。
意味を説明する歌声だけでなく、体を動かす声も使う。
この違いを意識すると、宮沢の歌にある熱さが、声量だけの問題ではないことも分かります。

大勢で歌う「風になりたい」と、語りかける「Myr」

2025年3月2日のギタージャンボリーでは、「風になりたい」で客席に一緒に歌うよう呼びかけ、手拍子と歌声が広がりました。
最後の「Myr」では、語りかけるような演奏へ。
同じ弾き語りのステージでも、大勢の声を招き入れる歌と、自分の言葉をそっと差し出す歌とで、客席との関係は変わります。
声の強さを一定に保つことが、公演の説得力になるわけではありません。

宮沢自身、広く遠くへ届ける「島唄」のような曲と、部屋で独り言をつぶやくような曲は、どちらも自分だと話しています。
その例に挙げたのが「poeta」や「オロカモノの歌」。
代表曲の堂々とした姿だけでは見えにくい、内側へ向かう声の居場所も持っているのです。