HACHIの歌い方｜柔らかな声から強い歌へ、曲の感情をどう声にするのか

HACHIの歌は、柔らかく届く声と、感情が前へ出る強い声を行き来します。
特徴をつかむには、声そのものに加え、音の入り方、伸ばした先の終わらせ方、曲の中での立ち位置に目を向けると分かりやすくなります。
同じ歌手の声でも、何を語る曲なのかによって、選ぶ表情が変わるからです。

透明感と、感情の起伏を両方大切にする

HACHIが歌の参考として挙げているのは、玉置浩二とLiaです。
玉置には抑揚や緩急、曲を通したリズムの運び方を、Liaには透明な声と、寂しさや季節の景色を伝える力を感じています。
柔らかな響きのまま感情を薄くしてしまわず、必要なところで大きく動かす。
その二つへの関心が、HACHIの歌を考える入り口になります。

初期の「光の向こうへ」は、自分の不安や葛藤に重ねて作った歌です。
また「贖罪」のカバーでは、本人が声質との相性を聴いてほしいと話しています。
曲を選ぶ時点から、自分の声でどんな気持ちに触れられるかを考えていたことが分かります。
ただ優しい音色を出すだけでなく、その声を必要とする曲へ結びつける姿勢です。

「まなざし」は、同じサビでも声を変える

「まなざし」では、最初のサビに細いファルセット、つまり裏声を使い、次のサビではその部分を地声に替え、最後は全力で歌っています。
同じ旋律が戻るたび、声の強さと質を変えて展開を作る方法です。
しかも本人は、一度録り終えたあと、もっと声を出せると考えて録り直しを求めました。
一曲を通して、どこまで気持ちを高められるかを詰めた歌でもあります。

歌い出しと語尾で、リズムの感じ方が変わる

「Deep Sleep Sheep」では、ササノマリイの助言を受け、普段のはっきりした歌い出しを変え、下から音へ上がるようにして丸みをつけました。
また「Level off」などでは、リズムを少し後ろに感じ、伸ばした音の最後を下へ落とす歌い方を学んでいます。
音量を大きく変えなくても、入り口と出口を変えることで、歌に余裕や遊びが生まれるのです。

強い伴奏の中でも、声の形を選び分ける

「fragment」で難しかったのは、高く細い声で、音の密度が高い伴奏に向き合うことでした。
一方「VESTIGIA」は、録音では少し抑えてきれいに歌い、ライブでは弾けようと話し合っています。
重いギターの曲でも、常に声を最大にする方針ではありません。
音源に残す形と、舞台で解放する形を分けて考えることも、声の選択の一つです。

「√64」は、音程とリズムを自分のものにする課題

春野が手がけた「√64」では、旋律やリズムを変えて歌うフェイクが、本人にとって難しい部分でした。
コードに合う音とタイミングを、自分で見つける必要があるからです。
HACHIは、好きなように歌ってよいのか迷う気持ちも率直に話しています。
作者の感覚を理解することも、歌ううえでの課題です。

さらに録音中から、ライブで曲を続けて歌う場合を想定し、息を吸う位置などを考えているそうです。
一曲の中できれいに収まることと、ステージで続けて届けられることを、同時に見ています。

「万有引力」は、感情を置く距離が違う

「万有引力」では、終わっていく世界を上から見ているような立場で、淡々と歌ったと説明しています。
本人は、自分の声を重ねるコーラスも好んでおり、この曲でも、重なった声で大きな世界を作る考えが生かされました。
一人の人物として悲しみを訴える声と、世界全体を見渡す声では、必要な熱の置き方が違います。
主旋律の声だけでなく、周りに重なる声まで含めて、距離や広がりを聴きたい曲です。

夏の歌でも、思い描く場面を一つにしない

2023年の東京公演では、「八月の蛍」「夏灯篭」「ビー玉」が並びました。
HACHIは、その3曲も別々のコンセプトで歌い分けたと説明しています。
同じ夏の景色を扱っていても、同じ寂しさを用意すればよいわけではないのです。
一曲ずつ気持ちを捉え直すことが、声の使い分けの前提にあります。

「To Be Alive」では、整えることより感情を優先する

「To Be Alive」を歌うとき、HACHIが思い浮かべたのは、広い海で一人になったような情景でした。
最後のサビへ向かうブリッジでは、抱えていた気持ちを噴き出させる表現をしています。
本人は、きれいに歌うことより、感情やニュアンスを大切にするようになったと話しました。
切迫した表現も、整え直すべきものと決めずに扱う方向です。

「Chère amie」は、語る声から歌へつなぐ

「Chère amie」では、詩を読むような語りにも挑戦しました。
HACHIが考えたのは、語尾や声色で愛おしさと儚さをどう出すかということです。
最後のサビでは、澤田空海理から、上手さを強調するより気持ちのままに歌ってほしいという方向が示されました。
静かに読み聞かせる声から、感情をほどく歌声へ進む構成です。

この曲の背景には、大切な存在を失った悲しみが、時間とともに和らいでしまう寂しさがあります。
本人は、離れていったファンにも、元気で過ごしていてほしいという気持ちを込めたと話しています。
呼び戻そうとするだけの歌にしない。
離れた相手を思う気持ちがあるからこそ、語りにも、押しつけずに伝える距離が必要になると考えられます。

小さな配信の時間と、ホールの歌をつなぐ

HACHIは、夜の配信を、眠れない人が眠るまで一緒にいる時間として続けています。
大きな公演と並行して、定期的に帰ってこられる場所を保つことにも意味があります。

2025年12月の川崎公演では、声の芯を立てる場面と、語尾を軽くして余韻を残す場面が、歌唱の特徴として捉えられていました。
「いつまでも」では、抑えた声と息や言葉の間合いが、客席との近さを作っています。
ホールへ進んでも、細かな表情を届けるという視点は残っていました。

同じ曲の別録音は、演奏の条件も含めて聴く

『Birthday Acoustic Live』には、「Rainy proof」「まなざし」「光の向こうへ」などの別演奏が収められています。
2024年2月のセッションを音源化したもので、最初のスタジオ録音とは条件が違います。
声の印象を比べるときは、伴奏との組み合わせや、ライブをミックスした作品であることも含めて聴くと、表現の違いを捉えやすくなります。
声だけが変化したと決めつけず、一曲をどう届け直したかに目を向けたい録音です。

HACHIの歌を聴くときは、サビの強さだけでなく、その前の声の置き方にも耳を向けてみてください。
細い裏声を残すのか、地声へ替えるのか。
言葉をはっきり入れるのか、滑り込むようにつなぐのか。
それぞれの選択が、曲の人物や感情と結びついています。
こうした表現が広がってきた背景は、HACHIの歌唱変遷でたどっています。

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