Salyuの歌い方｜高音の強さだけでは分からない、声色と響きの選び方

Salyuの歌には、大きく広がる声だけでなく、言葉を近くに置く歌や、ほかの声と重なって初めて形になる歌があります。
一つの声色をそのまま、どの曲にも当てはめているわけではありません。

曲のどこで強さが必要なのか。
言葉は、どう響きに変わるのか。
本人と制作側が説明した具体例からたどると、歌唱力を、何に使っているのかが見えてきます。

「青空」で両立させた、高音の強さと素直な話し方

桜井和寿が書いた「青空」では、サビを自分の限界に近い高い音で叫ぶように歌ってほしい、という注文がありました。
それに応えながら、Salyu自身は、無理に印象を押しつけず、素直に聞き取れる話し方を意識したと説明しています。

強い高音を求められた曲でも、全体を同じ強さで塗りつぶせばよいとは限りません。
言葉が自然に届く感覚と、感情が高まる声を、同じ歌の中で両立させる。
高音に届くことの先に、どんな人の言葉として聞こえるか、という課題があるのです。

対照的に「悲しみを越えていく色」では、冒頭に同じ高さの音が続くことが難しさになっていました。
普通に歌うと、コードとの関係で声が埋まるように感じられるため、そう聞こえないように歌う必要があると話しています。

音の高さがあまり動かない部分でも、歌いやすいとは限らない。
旋律の上下だけでは表情を作れないところで、言葉をどう存在させるかが問われます。
派手な高音と、同じ音が続くフレーズでは、声に求められる仕事が違います。

ウィスパーは、声を届ける条件まで含めて考える

Salyuは、Lily Chou-Chouの録音で使っていたウィスパーボイスが、ライブでは届かなかった経験を語っています。
息を多く含む、ささやくような声が録音で魅力になっても、そのまま舞台へ持ち出せば同じ表現になるわけではありません。

この経験から見えてくるのは、強い声と弱い声を、単純な優劣にしない見方です。
声だけを取り出すのではなく、伴奏の密度や、聴き手との距離も含めて、歌として届いているかを見る必要があります。

『landmark』の頃から、本人はバンドの残響によってもボーカルのあり方が変わると捉えていました。
声そのものの色だけでなく、周囲の音がどれほど広がるかも、歌い方に関わっていたのです。

長く尾を引く音の中へ声を置くのか、音が消えた場所に言葉を残すのか。
同じ声でも、その周りの空間によって感じられる距離は変わります。
Salyuの声の広がりを考える際にも、歌い手一人の力だけに還元しないことが手がかりになります。

言葉の前に、旋律が求める響きを探す

Salyuは歌詞の意味や物語を大切にしながら、一つひとつの言葉を、旋律に加わる色としても捉えてきました。
何を言っているかと、どんな音で言うかを、切り離していないのです。

salyu × salyuの制作では、その考え方が作業の順序にも表れています。
小山田が旋律入りのデモを渡すと、Salyuは特定の言語になっていない、口にしたくなる音で仮歌を入れる。
作詞する坂本慎太郎は、それを聴き、音から浮かんだものを歌詞の言葉へ置き換えていったと、小山田が説明しています。

最初から文章を読み上げるように旋律へ乗せるのではなく、旋律が呼び出す発音を先に試す。
意味が決まる前の声にも、音の流れや、言葉を置きたくなる場所があります。
歌詞が完成する前から、声は曲の形を作る役割を担っているのです。

「Sailing Days」などの詞を七尾旅人へ頼んだ際にも、Salyuが望んだのは、文章だけで完結する言葉ではなく、旋律に合う発語を見つける感覚でした。
七尾も、曲の音の構造と歌い手の個性をつなぐ仕事として、制作を振り返っています。

言葉をはっきり説明する歌だけが、言葉を大切にする歌ではありません。
母音が伸びる時間、子音が入る瞬間、次の音へ進む流れによっても、同じ文章の印象は変わります。
彼女の制作の順序を見ると、発音そのものを表情として考える理由が分かります。

重ねる声にも、一本だけの声にも役割がある

『s(o)un(d)beams』では、小山田は複雑な和音の曲に対し、「心」を一本のボーカルで作ったと説明しています。
声を重ねることに加え、低い声を重視したり、明瞭に歌ったりと、曲ごとの違いも考えていました。

和音が重なる歌では、一つの声は、ほかの声との間隔や重なり方によって表情を持ちます。
一本の声で進む歌なら、その一つの旋律が、時間の流れを引き受ける。
声を増やすほど表現が豊かになる、という一方向の考え方ではないのです。

また、「VOYAGE CALL」のような言葉のない歌では、本人の強い関心である響きと、旅の心象風景が結びついていました。
声色や旋律そのものが、情景を作る材料になります。

歌詞がなくても、歌い手の存在が薄くなるとは限りません。
言葉の意味に導かれないぶん、声の動きや、ほかの音との関係を受け取る余地が広がります。
声を楽器として扱うとは、人間味を取り去るというより、人の声でできることを広く考える姿勢でしょう。

ロングトーンを、周りの楽器と響かせる

Salyuは、小林が作る曲には音域の幅と長く伸ばす音が多く、弦楽四重奏の編曲がよく映えると話しています。
チェロとの共演でも、自分の声と調和する感覚を得たといいます。

長く伸ばす声は、その間も周りの音と関係を持ち続けます。
旋律が一つの音にとどまっていても、伴奏の動きによって、その声の聞こえ方は変わる。
ロングトーンは、長く持つことに加えて、音楽の中で何を支えるかにも注目できる部分です。

「landmark」をカバーした安藤裕子も、Salyuの曲には弦楽器を思わせる旋律の行き来があり、別の候補曲では息を吸う場所に迷ったと振り返っています。
聴き手にはなめらかに感じられる歌でも、歌う側には、フレーズを保つ難しさがあるのです。

大きな声を一音出すことと、旋律の流れを保って歌い続けることは、別の課題です。
長く伸ばす音にも、前後のフレーズとのつながりがあります。
高音や声量だけに目を向けず、その流れを支える歌い方として捉えると、曲の難しさも見えてきます。

高い声を強く響かせる時も、近い距離で言葉を渡す時も、仲間の声に重なる時も、必要な選択は同じではありません。
声を単独の見せ場にするだけでなく、旋律や言葉、周りの響きと結びつけて考える。
Salyuの歌い方の豊かさは、その関係を曲ごとに作っているところにあります。

声との向き合い方が変わってきた道のりは、Salyuの歌唱変遷でたどっています。

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