大澤誉志幸の歌い方｜クールな「途方に暮れる」と熱いソウルはどう同居する？

「そして僕は途方に暮れる」で声を荒らさない歌手が、別の曲ではシャウトする。
大澤誉志幸の歌を一つの「ハスキーな声」で説明すると、この切り替えが見えなくなる。
小室哲哉との対談で本人が明かしたのは、音程の間を揺らす感覚、細かい言葉をリズムへ入れる方法、曲に応じた響きの選択だった。
声のざらつきだけを取り出すより、伴奏とどう関わり、誰とどう歌うかを見ると、その表現が分かりやすくなる。

「途方に暮れる」は、感情を出さない歌ではない

ロックバンドで歌い、泥臭いR&Bを好んでいた大澤は、ソロの作品を作るなかで、クールな詞と感情を抑えた歌い方も自分の声に合うと気づいた。
「そして僕は途方に暮れる」は、その気づきが伝わる代表曲だ。
悲しさを大声で説明しないぶん、言葉を置く時間や音の移り方に気持ちが残る。

小室との対談で大澤は、一つの音を出して次へ進む途中に、音を揺らす癖があると話した。
ただ音程を当てて終えるのではなく、移動中の時間が心地よく、そこで曲のドラマに入り込むという。
これは「正しい音を外している」という告白ではない。
目的の音へ向かう短い道のりにも表情をつける、という本人の歌唱観である。
聴く側は、強い声が出るかどうかだけでなく、言葉が次の音へ渡る瞬間にも耳を向けられる。

その際、大澤が聴いていると明かしたのがベースの音だ。
歌の旋律だけで完結せず、低音の進み方を感じながら自分の声を動かしている。
ベースが次へ向かう間に、声がすぐ着くのか、少し揺れてから着くのか。
こうした関係で捉えると、抑えた声にも動きがあり、静かに歌うことと平坦に歌うことの違いが見えてくる。

細かい言葉を、リズムのどこへ入れるか

同じ対談では、初期の楽曲について、デジタルな伴奏の正確なタイミングに声を近づけ、細かな音符へ日本語を詰めるように作っていたとも説明した。
小室は、通常の日本語のポップスとは違う細かいリズムへの言葉の入り方を指摘している。
大澤自身は、洋楽、とくに黒人音楽の難しい旋律をコピーした経験が、自作のメロディーにも出たのではないかと振り返った。

速い曲を歌うとき、文字を均等に読めばそのノリになるわけではない。
どの音節を拍の直前に置き、どこを短く切るかで、言葉は演奏の一部になる。
大澤が語るのは、単に速く発音できるという技術ではなく、歌と伴奏を同じ時間の中で動かす面白さだ。
本人はブルーノートや揺らぎを持つ音楽にも強く惹かれ、日本語でそれに近づきたいと述べている。

ただし、ソウルの影響があるからといって、いつも拍より遅れて歌うわけではない。
小室が初期の歌に感じたのは、むしろ伴奏へきっちり入る感覚だった。
音程を揺らすことと、言葉の入りを曖昧にすることは別なのである。

同じ声でも、曲の色は一つではない

対談で大澤は、曲によって声の上側・下側の響きを選ぶことがあるとも語った。
また当時、裏声をほとんど使わず高い音も地声で歌うと説明している。
これは1995年の対談での説明だ。

ハスキーな声についても、変声期からの声で、意図的に潰したものではないと答えている。
ざらついた音色と高音を出す感覚は、本人の中で結びついていても、外からその一部だけを真似すれば再現できるものではない。
ここで大切なのは、高音の高さを競うことではなく、同じ歌手が曲に合う声の色を選んでいる点だ。

2013年の山下久美子との共演を評したBillboard JAPANの記者は、「そして僕は途方に暮れる」を原曲に忠実に歌った場面と、続く「This Old Heart of Mine」でシャウトする場面を対照的に書いた。
片方だけが本当の大澤なのではない。
抑えた曲では声を前へ押し出しすぎず、ソウル曲では熱を放つ。
本人がソロ初期に戸惑った「クール」と「泥臭さ」は、実際の公演では使い分けられる二つの表情になっている。

2021年の40周年ライブで歌う大澤誉志幸 — 2021年の40周年公演で歌う大澤誉志幸。
写真出典：OTOTOYの40周年ライブ取材

一人で目立つ声と、二人でなじむ声

大澤の高い声は、男女で一緒に歌う際にも生きる。
山下久美子との『& Friends II』について、本人は二人の歌のキーが近く、オクターブをずらしたり、曲の途中で調を変えたりせず、同じキーで歌えると説明した。
男性の低音と女性の高音を大きく離して対比させる組み合わせとは違い、近い高さの中で声の個性を交わすことができる。
高い声は、単独で盛り上がりを作るためだけの持ち味ではないのだ。

前作『& Friends』の「夏の終わりの午後」では、山下の声質がボサノヴァに合うという大澤の判断が、編曲の出発点になった。
一方、「蕾」では山下はコーラスで参加している。
同じ相手との共演でも、二人が前へ出る曲と、一人の歌をもう一人が支える曲では、声の役割が変わる。
相手に自分の歌い方を重ねるだけでなく、相手の声が映える場所を作る発想がある。

その感覚を考えるうえで興味深いのが、沢田研二、佐野元春、伊藤銀次とコーラスを歌った際の話だ。
大澤は、沢田がマイクから最も離れ、声がこもりがちな佐野が手前に立ち、銀次と自分が加わったと振り返っている。
声を合わせるには、全員が同じ距離で同じ強さで歌えばよいわけではない。
声質の違いに応じて位置を調整し、一つの響きへまとめる経験も、大澤の歌の背景にある。

歌う曲を選ぶことも、声の使い方を選ぶこと

2021年の40周年公演では、記者の記録に「そして僕は途方に暮れる」だけでなく、「1/2の神話」のジャズ編曲、「GET DOWN」「晴れのちブルーボーイ」のファンク、終盤のバラード「祈り」が並ぶ。
伴奏の様式だけを変えたと見るより、静かな詞を届ける曲、演奏と声で客席を動かす曲、語りかける新曲を一晩に置いたと見るほうが、歌手としての幅が分かる。

この幅を支えているのは、歌そのものの親しみやすさでもある。
音楽プロデューサーの松尾潔は、大澤の曲には強いリズムやブラックミュージックの影響がありながら、口ずさみたくなる親しみがあると評した。
複雑な節回しを聴かせるだけでなく、聴き手が旋律を持ち帰れる歌であること。
その土台があるから、シャウトや音程の揺れも、曲から離れた技巧の披露にならずに届くのだろう。