千秋（DEZERT）の歌い方｜荒い声のまま、歌詞を届かせるための選択

荒い声なのに、言葉がこちらへ向かってくる。
千秋の歌い方を考えるとき、大切なのは、その二つがどう両立しているかです。
声をざらつかせること、旋律をはっきり歌うこと、口から出る日本語を整えること。
それぞれを曲に合わせて選ぶところに、DEZERTの歌の面白さがあります。

声の勢いと、言葉の明瞭さを分けて考える

千秋が歌のレッスンで学び直したのは、日本語の発音でした。
指導されたのは、歌おうとしている内容が相手に伝わらないという点です。
口の形など基本から見直した経験は、荒い声を出すかどうかとは別に、言葉を届ける土台になっています。

声の質感と、発音の輪郭は、同じものではありません。
声に荒さがあっても、どの言葉を歌っているかが分かれば、その荒さを感情として受け取りやすくなります。
逆に、声が整っていても、言葉の境目が曖昧なら意味はつかみにくい。
千秋の歌を味わうときも、声の強さだけでなく、一つの言葉が次の言葉へどうつながっていくかに耳を向けると、表現の選び方が見えやすくなります。

「心臓に吠える」では、後半にだみ声を使うことに、歌詞と結び付いた理由があります。
千秋自身、そこで使っているのは以前からの声だと説明しています。
声の種類を一新するより、どの内容をその声に託すかが大切なのです。

曲の始めから終わりまで、同じ勢いで押せばよいわけではありません。
荒い声が現れる位置を意識すると、そこで言葉の受け止め方がどう変わるかを楽しめます。
声色の切り替えが、曲の中で言葉を強調する方法にもなっているのです。

「楽園」で、声を張り続けない歌を知る

「楽園」では、声を張り上げることだけに頼らず、旋律と言葉を届ける歌が前に出ます。
千秋は、こうした音楽はもともと好きだった一方、バンドとして表現するには経験が必要だったと話しています。
曲の好みが急に変わったというより、好きだったものを形にできるようになったのです。

同じアルバムの「The Heart Tree」は、もともとアコースティックギターのデモから始まりました。
バンドで仕上げる際も、凝り過ぎない形が選ばれています。
声のまわりを何で埋めるかより、歌が伝えるものをそのまま生かす考え方です。

激しさを抑えた歌では、声を大きくした瞬間だけが聴きどころになるわけではありません。
旋律を追いながら言葉が届く、その時間自体が曲を支えます。
千秋を激しい声の印象で覚えている人ほど、この曲では、勢いを増やさずに歌を保つ面にも注目したくなります。

「私の詩」は、歌いやすい高さでも簡単ではない

「私の詩」について、千秋はキーは歌いやすくても、歌うのは難しい曲だと話しています。
素直に歌った「ミザリィレインボウ」と比べ、声色を変え、あえて歪ませるなど、日本語のニュアンスを表す方法が増えたといいます。
音の高さを出せることと、その言葉に合う声を選べることは別なのです。

歌の難しさは、最高音の高さだけでは決まりません。
同じ旋律でも、まっすぐな声で通すのか、粗さを加えるのかで、言葉の印象は変わります。
その違いを一曲の流れの中で選ぶには、音程を追うだけでは足りません。
「私の詩」は、千秋の表現を声域の広さだけで評価できない理由を示す曲です。

声を重ねる「Stranger」と、ライブで届ける声

2019年のシングル『血液がない！ / Call of Rescue』に収録された「Stranger」では、録音の中で声を重ねる方法も試しています。
千秋は、ハーモニーを付けやすい旋律だったため多くの声を重ね、最終的にはその数を減らしたと説明しています。
録音では響きを優先して作り、ライブでは別のアレンジを考えるという発想もありました。

録音で声が厚く感じられるとき、そのすべてを一回の発声の強さと考えることはできません。
異なる声を重ねれば、一人で歌うときとは違う広がりが生まれます。
だからこそ、音源とライブは、同じ声量があるかどうかだけで比べるより、それぞれどんな形で曲を成立させているかを見る方が面白い。
千秋の歌には、自分が出す声を選ぶ工夫と、その声を録音の中に配置する工夫の両方があります。

ここでの厚みは、単純に声を増やせば完成するものでもありません。
旋律に合うハーモニーを試し、重ねたものを減らす判断まで含めて、一曲の声が作られています。
一人の喉から同時に全部出しているかのように捉えると、この制作上の面白さが見えにくくなるでしょう。

アコースティックにすると、歌の何が前に出るのか

『The Heart Tree ～unplugged selection～』では、「The Heart Tree」「僕等の夜について」「Hopeless」を別の編曲で歌っています。
千秋は、伴奏の姿を変えることで、自分の歌の至らなさまで見えてきたと話しました。
収録にも時間をかけており、演奏が静かになったから気軽に歌えたという制作ではありません。

伴奏が変われば、声の受け取られ方も変わります。
歌を支える音が少ない場面では、一つの言葉をどう始め、どう終えるかが、曲の印象に占める割合も大きくなる。
音を埋めるために強く歌うことだけが答えではなく、その空間にどんな声を置くかが問われます。
この三曲は、同じ曲名でも、バンド編成の原曲とアコースティック版を分けて楽しみたい組み合わせです。

高い旋律も、曲として歌える形にする

「TOXIC」では、作曲したSacchanの原案にあった高いサビを、千秋が旋律から作り直しました。
曲が持つ毒気を保ちながら、サビでは違う開け方をさせる狙いもあります。
他のメンバーの曲に対しても、ボーカリストとして歌の形を調整しているのです。

高い音を出す力と、曲にふさわしい歌を作る力は、重なりながらも違います。
音の高さ、言葉の収まり、サビまでの流れを一緒に考えることで、歌として届く形が決まる。
千秋の声を知るには、限界の高さだけを探すより、曲の要求に応じて何を変え、何を残すかを見る方が、その工夫に近づけます。

自分の声の癖を、曲の味方にする

自分の声を好きになれず、他の人の歌い方に近づこうとしていた時期を、千秋は振り返っています。
それでも、自分は自分の声で歌っていくという受け止め方へ変わりました。
声の個性を扱う出発点には、その認識があります。

発音は整える。
曲に必要なら荒い声も使う。
静かな編曲では歌の細部へ向き合い、録音では声の重ね方まで考える。
千秋の歌い方には、この一つひとつの選択が重なっています。
声の癖を消し切ることが完成ではなく、その癖が言葉や旋律の味方になる場所を見つける。
そこに、荒々しさと伝わりやすさが同居する理由があります。

表現が広がってきた歩みは、千秋（DEZERT）の歌唱変遷でたどっています。

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