曽我部恵一の歌い方｜強く張る声と、すぐそばで語るような声

曽我部恵一の歌は、ギター一本でも大きな熱を生みます。
けれど、いつも強い声で押し切るわけではありません。
言葉をそっと渡すように歌い、曲が進むと声を張り、ラップではつぶやくほどに抑える。
この振れ幅を、曲ごとの声の出し方、言葉の置き方、ギターとの呼吸から考えてみます。

同じ弾き語りのなかで、声の強さを変える

2024年6月、下北沢CLUB QueでのRYUTistとの共演では、その振れ幅が一つのステージに現れました。
「あじさい」は柔らかく歌い、「さよなら！街の恋人たち」ではギターを激しく弾きながら熱唱する。
さらに「おとなになんかならないで」では、優しい歌へ戻っています。
同じ人が同じギターで歌っていても、選ぶ声の強さによって、曲が向かう先は変わるのです。

同年11月の原宿・ハラカドでの弾き語りも、歌の対照が分かりやすい場面です。
「コンビニのコーヒー」では、高い音を長く伸ばす声が見せ場になりました。
一方、「おとなになんかならないで」では、柔らかく自然な声に、語りも交えています。
高音で遠くへ届かせる歌と、話しかけるように距離を縮める歌を、一回の公演のなかで行き来していました。

この二つの公演から考えると、曽我部の力強さは、常に大声でいることより、声を強める場所を選べることにあります。
初めから終わりまで張り続ける歌と、穏やかな言葉の後に大きな声が現れる歌では、同じ高音でも受け取られ方が変わります。
小さな声を保てる時間があるから、張った声の切実さも際立つのです。

ギターの動きと一緒に、声の熱を上げる

2026年5月の「SCRAMBLE FES」では、「コンビニのコーヒー」でギターの刻みと歌が一緒に勢いを増していきました。
弦をかき鳴らす動きに、音を切る奏法も交え、テンポと熱を上げていく演奏です。
弾き語りのギターは、声の後ろで一定の伴奏を続けるだけの存在ではありません。
歌い手自身が伴奏を動かせることで、声を強く出す瞬間も、曲全体の動きとして作れます。

同じステージの「青春狂走曲」では、終わりのフレーズを繰り返し、観客の歌も加わっていきました。
一人の歌を最後まで完成させてから拍手を受けるという形とは違い、繰り返しのなかで場の声を育てています。
声を伸ばす長さや反復の回数が、その場で歌を共有するための働きを持つのです。

ギターと歌の関係を見ると、曽我部の歌を音程や声量だけで捉えきれない理由も分かります。
伴奏を急がせる、抑える、言葉をもう一度歌う。
その小さな変更が、次に出る声を待ち遠しくしたり、観客が入れる場所を作ったりします。
声の勢いと曲の進め方を、一人の身体で結びつけている歌い方です。

ラップでは、抑えた声に言葉を近づける

ラップ作品『ヘブン』を作るとき、曽我部は、どの高さで声を出すと曲に合うのかを試しました。
そのなかで選んだのは、ライブの勢いをそのまま持ち込む歌い方とは違う、抑えた声でした。
小さくつぶやくように録るほうが、自分に合うと感じたのです。
同じ言葉でも、声を張って告げるのか、近くで漏らすように置くのかで、聴き手との距離は変わります。

また、ラップは、決まった旋律に言葉を当てはめる作業とも違います。
「mixed night」では、先にビートを繰り返し流し、夜明け前の空いたクラブのような景色を思い浮かべて言葉を作っていきました。
韻を踏むために選んだ言葉が、最初に伝えようとした内容を別の方向へ動かすこともあります。
意味を先に完成させてから読むのでなく、言葉の音やビートとの関係から、語る内容が生まれていくのです。

この自由さは、Aメロ、Bメロ、サビという区切りに沿って歌うときとは違います。
次の盛り上がりへ向けて声を高めることだけが、曲を進める方法ではなくなる。
同じビートのなかでも、言葉の数や響き、置く位置が変われば、歌の時間は動いていきます。

加工した声にも、感情を残す

サニーデイ・サービスの「ラブソング2」などに使われるオートチューンも、声を考える手がかりになります。
曽我部は、感情を強く込める歌にも、この加工を使いたいと話しています。
加工すれば必ず冷たい声になる、という捉え方ではありません。
声をそのまま見せないことで、かえって聴き手が歌い手の気配を想像する面白さを感じていました。

ここでは、歌うときの声と、録音後に聞こえる声を分けて考えると理解しやすくなります。
曽我部がどんな強さや気持ちで歌ったかという選択に、音をどう加工するかという選択が重なる。
完成した音の揺れや質感を、すべて喉の使い方だけで説明することはできません。
録音の響きまで含めて、曲にふさわしい声を作っているのです。

近い声は、録音の仕方と歌う相手からも生まれる

弾き語りアルバム『My Friend Keiichi』では、自宅で一本のマイクに歌とギターを一緒に録りました。
曽我部は、わざと粗い音に仕上げようとしたわけではないと説明しています。
声とギターを別々に録って整える方法とは異なり、歌う動きと弾く動きが、同じ時間のなかで残る録音です。
生活の近くに感じられる歌は、声をささやきに変えることだけで作られるわけではありません。

2019年に藤巻亮太と「サマー・ソルジャー」を共演した際、曽我部は、歌手同士が同じ曲で交わる面白さを語っています。
楽器で相手の音についていくのとは違い、二人の歌手が持つ別々の世界がつながる感覚があったといいます。
声質を似せることだけが、共演を成立させる方法ではない。
自分の声のまま、相手の歌が入ってくる余地を持つことも、歌の対話になるのです。

曽我部は、歌を完成したものにしないことも大切にしています。
何度も歌った曲が、慣れによって音符の並びに感じられるようになったとき、そこからどう歌うかを考える。
決まった上手さを毎回なぞるのでなく、その日の相手や場所のなかで、もう一度歌にしていく姿勢です。

2026年8月、高校生のバンドが出演した福岡のイベントでは、審査員である曽我部自身もギター一本で歌いました。
「おとなになんかならないで」を聴く側には、若い出演者も、その親の世代もいます。
曽我部は、この場で、最初に音を出す瞬間へ自分の人生を込めることの大切さも伝えています。
歌の巧みさを示すことにとどまらず、自分がどう生きてきたかを音に託すという考え方です。

曽我部恵一の歌い方を支えているのは、大きく歌える声と、小さく歌うことをためらわない選択です。
ギターと一緒に熱を上げるときも、ビートの上でつぶやくときも、声をどう置けばその曲が動き出すかを探しています。
張る声と語る声を、別々の得意技で終わらせない。
曲の言葉と、その場にいる相手へ結びつけることで、両方が一人の歌としてつながるのです。

声の選択が広がった歩みは、曽我部恵一の歌唱変遷でたどっています。

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