寺尾聰の歌声の変遷｜変わらぬ声が、再録と映画で見せた新しい表情

寺尾聰の歌声の歩みには、声を大きく変えることとは別の面白さがあります。
1981年の『Reflections』を2006年に録り直したとき、注目されたのは、変わらない声と大胆に変わった演奏の組み合わせでした。
さらに映画『父と僕の終わらない歌』では、その声で物語の登場人物として歌います。
同じ声をどのような音楽の中に置き、誰の言葉として届けるのか。
再録と映画の歌唱から、その選択をたどります。

1981年――張り上げない声と、自由な演奏が出会った

「ルビーの指環」の成功以前、寺尾は、自分の曲をほかの歌手に歌ってもらうことも考えていました。
昔作った曲を収めたカセットを聴いてもらったところから、自ら歌う方向へ進み、新たに「ルビーの指環」を書いたと振り返っています。
最初から大ヒット歌手になるために用意した声ではなく、手元の曲を自分で表現する声として、あの歌唱が世に出たのです。

編曲を担った井上鑑とギターの今剛には、スティーリー・ダンの『Gaucho』のような音作りを試したいという思いがありました。
寺尾もその試みを喜び、自由な雰囲気で録音が進みます。
井上が最初に受け取った「ルビーの指環」のデモには、すでに跳ねるリズムの面白さがありました。
歌のメロディー自体にも、完成形につながるリズムの種があったのです。

『Reflections』の寺尾の歌唱は、力を抜いて囁くようだと評されています。
一方、演奏はリズムそのものに聴きどころを持つ、バンドの音楽でした。
歌い手が大きな声で全員を従わせる形にしなくても、曲は十分に動く。
その中で声を抑えていることが、かえって寺尾という人物を浮かび上がらせます。

井上は「ルビーの指環」を振り返り、サウンドを歌の飾りとして扱うだけではなくなった時代の転換を語っています。
歌声の個性と、楽器それぞれの個性を一緒に聴く作品だったのです。
この関係を知っておくと、25年後の再録で何が変わったのかが見えやすくなります。

2006年――声の個性はそのまま、演奏は前へ

『Re-Cool Reflections』には、元のアルバムと同じ10曲が、同じ順番で並びます。
ただし、古い録音の音質を整えた再発売ではありません。
井上鑑、今剛、高水健司らに、ヴィニー・カリウタやアレックス・アクーニャも加わった、新しい録音です。
同じ曲順だからこそ、聴き手は記憶の中の歌と、新しい演奏を結び付けて受け止められました。

その入口が「Re-Cool HABANA EXPRESS」です。
スティールパンを取り入れた編曲は、元の曲をそのまま懐かしむだけの再演から距離を取っています。
曲の顔となる楽器やリズムの色が変われば、同じ旋律を歌う声も、違う風景の中に現れることになります。

音楽評論家の金澤寿和がこの再録に感じた驚きは、ボーカルの雰囲気が変わらないことでした。
旧盤では歌の一歩後ろにいた演奏が、再録ではぐっと前へ出る。
時には声が覆われそうになるほどの、その釣り合いにも面白さを見いだしています。
声をさらに強くして演奏を押さえ込むのではなく、以前からの持ち味を、新しい密度の中で生かす録音として受け取ったのです。

受け止め方が一つに揃うわけでもありません。
当時の聴き手には、新しい歌声のほうが丸く、ゆったりしたと感じる人がいる一方、声は驚くほど変わらないと書く人もいました。
この違いは、声だけを演奏から切り離して聴く難しさを示しています。
再録の柔らかな印象を、そのまま年齢による発声の変化と決めることはできません。

比較するときには、ボーナストラックの名前にも注意が必要です。
「ルビーの指環1981」は、1981年の歌唱をそのまま収めたものではなく、旧アレンジによる再録時のスタジオライブです。
原盤、新しい編曲の再録、昔の編曲を使った新しい演奏。
この三つを分けると、「昔の声と今の声」という二択よりも、寺尾の歌の置かれ方がよく分かります。

自作曲とスタンダードが、同じステージに並ぶ

再録後の活動を、昔のヒット曲を再現するだけの時間と見るのも早計です。
寺尾は洋楽のカバーを歌うライブを続け、2016年のビルボードライブ東京公演では、久しぶりに自作曲を中心に据えました。
そのステージには「That’s Life」も入っています。
自分の曲を改めて歌うことと、親しんだ洋楽を歌うことが、一つの公演の中でつながっていました。

この公演を紹介した記録でも、声は長年の渋い味わいを保つものとして捉えられています。
ここで増えたのは、別人のような声というより、その声で扱う歌の世界です。
自作曲の歌手でありながら、スタンダード曲を自分の音楽として歌う。
その蓄積が、後に映画の中で歌う寺尾を理解する手掛かりになります。

2026年にも、洋楽のヒット曲や名曲を取り上げるカバーライブが案内されています。
「ルビーの指環」一曲で歌手としての時間が止まったわけではありません。
聴き手にとっての代表曲とは別に、本人が親しみ、ステージへ持ち込む曲がありました。

映画では、寺尾聰であると同時に「その父親」として歌う

寺尾が演じるのは、横須賀で楽器店を営み、音楽を愛する父親です。
息子や家族との時間の中で歌うという設定が、普段のステージとは違う意味を歌に与えます。
観客に向けて一曲を仕上げるだけでなく、父親の声として目の前の相手へ届くことが必要になるのです。

2024年に撮影され、翌2025年に公開された『父と僕の終わらない歌』では、歌が登場人物の人生に結び付きます。
劇中の5曲は寺尾が編曲し、普段のライブを支えるバンドの仲間が演奏しました。
役の歩んできた時間、寺尾自身に馴染みのある曲、脚本の場面に合うこと。
選曲には、この三つの条件が重ねられています。

当初、監督の小泉徳宏には、日本の歌を使う案もありました。
寺尾を迎えることで洋楽へ方向が定まり、本人も自分にはそのほうが取り組みやすいと話しています。
俳優に与えられた歌を一方的にこなしてもらうのではなく、寺尾が歌ってきた音楽を、役の表現へ取り込んだのです。

寺尾がここで強調するのは、役が歌うから歌う、ということです。
持ち歌を聴かせる場面と、登場人物として歌う場面では、声に背負わせるものが違いました。

共演した松坂桃李も、歌手としての寺尾のステージとは別に、俳優として歌う姿を目にしたことを印象深く語っています。
慣れ親しんだ声が、映画の人物の声として届く。
寺尾の音楽経験を消して役に合わせるのではなく、その経験があるからこそ成り立つ歌唱でした。

変わらぬ声にも、使い道の変遷がある

寺尾聰の歩みを、若い声が年々渋くなった話だけにまとめると、大事な選択が抜け落ちます。
2006年には、持ち味を保つ声と、前へ出る演奏の関係が生まれました。
映画では、普段の音楽仲間や親しんだ歌を、役の人生を表すために使います。
変わらないと感じさせる声があるから、その声の置かれる場所の違いが、かえって鮮やかに伝わるのです。

低い声とバンドの関係、録音での声の重ね方は、寺尾聰の歌い方で詳しく取り上げています。

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