Wakanaの歌い方｜高く響く声だけでは語れない、息・低音・言葉の選び方

Wakanaの歌い方を考える時、高い声の美しさだけを追うと、その人らしさの一部を取りこぼします。
柔らかく歌う時に何を手放すのか。
低い音をどんな表情で聞かせるのか。
速い旋律でも、言葉をどこまで届けるのか。
本人が曲作りや録音について語ってきた選択をたどると、一つの声色に頼らない歌の組み立て方が見えてきます。

力を抜くことも、歌を支える選択になる

Wakanaはソロで歌い始めた頃、力を入れすぎなくても歌えることを発見しました。
一人で曲の強弱を考えられるようになった時、以前より柔らかい声が出ていることに、自分でも気づいたといいます。
弱く歌う場所を作れることが、表現の幅になっています。

一方で、Kalafina時代の「to the beginning」でも、Wakanaは熱量をそのまま声へ押し出す方法だけを選んでいません。
冷静に歌うことと、気持ちが乏しいことは別です。
曲の緊張を保つために、感情との距離を選ぶ歌い方もあります。

すべての音を強く歌えば、曲の大きさが出るとは限りません。
力を使う場所と、柔らかく保つ場所があるから、歌に奥行きが生まれます。
高い音が出ることに加えて、そこへ至る流れをどんな声で作るか。
ソロになって得た自由は、そうした曲全体の強弱を自分で決められることでもありました。

低音に息を混ぜることを、失敗と決めない

「記憶の人」の録音では、低い音が十分に出ていないという本人の不安に対し、息の混じる声でもよいという方向が示されました。
響きを強く作ることだけが、その曲の答えではなかったのです。

「オレンジ」でも、Wakanaは以前より息を多く使う歌い方を試しました。
本人には当初、その表現への抵抗がありました。
それでも実際に取り入れたことで、歌い方の選択肢が増えていきます。
同じEPの「夕焼け」では、テンポを落とし、ギターと同じ空間で一緒に録る方法を選びました。
声だけを直すのでなく、無理なく歌える速さや、演奏との距離も整えています。

ここで参考になるのは、息を増やせば必ずよいという処方ではありません。
自分には弱く感じる声でも、曲の中では必要な近さになることがある、という点です。
音を強く鳴らす場合と、息を含んだ言葉を届ける場合とでは、狙っている表情が違います。
Wakanaが受け入れたのは、声の大きさだけでは測れない表情です。
十分に響いていないと感じる声を、制作側が曲の魅力として受け止める。
そのやり取りが、本人の判断を変えています。

「アキノサクラ」で求めた、話すような声も、その延長で考えられます。
本人にとっては、素の声を出す恥ずかしさがあり、自然に歌おうとしても作った声へ戻ってしまう難しさがありました。
歌声を立派に整えることが、いつも曲に合うとは限らない。
話しかけるような近さを選ぶ時には、声を飾りすぎていないかも確かめる必要があるのです。

低い声は、高音へ向かうためだけのものではない

「where」について、Wakanaは盛り上がる旋律に対し、声のトーンを落として歌う感覚を気に入っていると話しています。
みんなで歌える曲でも、最初から声を明るく押し上げるとは限りません。
落ち着いた低音を使い、曲が持つ勢いとの間に差を作っています。

「時には昔の話を」を歌った時にも、自分の低音の響きに手応えを得ました。
この曲では、感情を大きく見せすぎず、流れの中で歌うことを大切にしています。
低い声を響かせる喜びと、表情を付けすぎない判断が、同時にあるのです。

ここで低音が担っているのは、高音へ上がる前の準備だけではありません。
「where」では旋律の勢いと対照を作り、「時には昔の話を」では大げさに飾らない語りを支える。
同じ低い音域でも、曲に対する役割が変わります。
Wakanaの歌い分けは、低い声をどこまで太くできるかという一つの物差しでは捉えきれません。

旋律の美しさに、言葉の輪郭を合わせる

Wakanaは、言葉よりもまず旋律に導かれて歌う傾向があると説明しています。
『そのさきへ』の録音では、武部聡志から、特定の言葉を丁寧に歌うよう指示されました。
流れを生かす感覚に、言葉を聞き取れる形を重ねていく作業です。

「KEMONO feat.清塚信也」では、経験したことのない速さと難しさに向き合いました。
本人が探した基準は、日本語が伝わるところです。
難しい旋律を音として通過できるだけでは、歌詞を持つ歌としては足りません。

この曲では、最初のテンポが速すぎたため一度落とし、今度は遅く感じたため再び上げています。
口が回ることと、曲の勢いを保つことの両方から、歌える速さを探ったのです。

音程と速さが合っていても、歌い手だけに言葉が分かる状態では、伝えたいものが残りません。
旋律に乗せる気持ちよさと、言葉を渡す丁寧さ。
この二つを同時に求めるところに、歌としての難しさがあります。
流れを止めずに、必要な言葉を残す。
その調整が、Wakanaの歌を声の美しさだけで終わらせない部分です。

身体の使い方は、繰り返して歌に結びつける

2020年以降の練習では、Wakanaは身体の使い方が変わってきたと話しています。
レッスンを受けるだけで終えず、その録音を家でも使って繰り返しました。
先生と一緒ならできることを、自分だけでも歌へ持ち込めるようにしていく積み重ねです。

ソロ活動の初期には、新たなボイストレーナーとの出会いによって、自分の声への固定観念が崩れたとも振り返っています。
すでに歌手として経験を重ねた後にも、学び直す余地があったのです。

ここでは、発声を知識として覚えることと、自分の歌の中で使えることがつながっています。
低音に息を混ぜるような録音の試行と、日々の身体の使い方の見直しは、どちらも必要な声を選ぶための準備です。
新しい曲に出会うたび、一から声を作り直すだけではなく、これまでに得た感覚を持って向き合える。
練習の積み重ねが、曲ごとの自由を支えています。

原曲の魅力を知ったうえで、自分の歌にする

玉置浩二の「メロディー」をカバーした時、Wakanaは原曲の旋律を覚えた後、繰り返し原曲を聴くことをいったんやめました。
歌い方まで引っ張られすぎず、自分で歌いながら表現を探すためです。
好きな歌手への敬意と、歌声をそっくりにすることを分けています。

Wakanaの歌い方に通じるのは、声を一種類の理想へ閉じ込めない姿勢です。
柔らかさが必要な曲では構えをほどき、低音が生きる曲では低さを受け入れ、速い曲では言葉を置き去りにしない。
原曲の歌手の声を追い続けるより、自分がその曲をどう歌うかを探す。
高い声の印象を保ちながら、その周囲にも表情を増やしてきたことが、彼女の歌の豊かさにつながっています。

三人で歌う声からソロの声を探した歩みは、Wakanaの歌声の変遷にまとめています。

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