Aile The Shotaの歌い方｜柔らかい声の芯と、踊れる余白の作り方

Aile The Shotaの歌を柔らかくまねようとして、声を薄くすることだけに集中すると、歌の輪郭まで失いやすくなります。
彼が曲ごとに探しているのは、音へなじませる柔らかさと、言葉を届ける芯のバランスです。
どこで声を前へ出すか。
どこまで歌い、どこを空けるか。
その判断を具体的な曲と制作時の工夫から見ていきます。

柔らかい声にも、はっきりした輪郭がある

「夢宙」では、声も音楽の一部になるような、浮遊感のある仕上がりを求めました。
ただ、本人は、自分の声は輪郭が明瞭で、ローファイな音となじませるのが難しいと捉えています。
illmoreとの制作では、その距離を細かく調整しました。
柔らかく聞こえる歌が、最初からぼやけた声で歌われているとは限らないのです。

声の出し方と、完成した録音の聞こえ方は、分けて考える必要があります。
前へ出る声を伴奏へ溶かすこともあれば、控えめな声を近く聞かせることもあります。
曲全体の柔らかさをまねるために、言葉まで曖昧にする必要はありません。
まず旋律と言葉が伝わる声を保ち、その声を曲の中でどれほど目立たせたいか考えると、狙いが整理されます。

「さよならシティライト」は、胸で鳴らす感覚を使う

「さよならシティライト」について、Shotaは、腹へ落として胸で鳴らすような、チェスト寄りの感覚を説明しています。
ここは本人が感じている歌唱感覚として捉えたいところです。
りょんりょん先生からは、優しい声の中にある強い面も聞かせたいと言われる一方、曲中で張り上げなくても成り立つことも持ち味として認められていました。

強い声を使えることと、毎回その声を最大限に出すことは別です。
柔らかい歌を全部強く置き換えれば、もともとの親密さまで変わります。
この歌手を考える時には、声量の大小だけでなく、言葉の中心が残っているかを見ると分かりやすくなります。
優しさを保ちながら、気持ちを引っ込めない。
その両立が、声の芯を考える手掛かりです。

「向日葵花火」では、Chakiとの制作で求められた、声をより強く、近く聞かせる方向が生きています。
さらに歌詞も、情景中心の表現から、自分の気持ちが出る形へ練り直しました。
本人は、その方が声も乗ったと話しています。
発声だけを切り離さず、何を言いたい言葉なのかまで合わせて歌を作っています。

踊れる歌には、歌い続けない余白がある

Shotaは「DEEP」を振り返り、即興で生まれた旋律に言葉を詰めたため、踊り手が入れる余地が少なくなったと考えています。
「Eternity」では、そこから言葉やリズムを引いていきました。
「さよならシティライト」でも、同じ引き算の意識があります。
細かく歌えることをすべて使うより、歌わない場所を残すことで、身体が動く余地を作るのです。

一方、「ランデヴー」の録音では、ブースの中でも踊っていたといいます。
歌のリズムは、言葉だけで独立しているものではなく、演奏へ身体が反応する感覚とつながっていました。

細かい音をたくさん入れれば、必ずリズムがよくなるわけではありません。
声が止まった後も、伴奏は動いています。
フレーズの切れ目で、その動きを受け取れるか。
歌う場所と空ける場所を一続きに考えると、音符を埋めることとは違う、踊れる歌の作り方が見えてきます。

音程を整えることと、感情を置くこと

「踊りませんか？」では、和音との関係を細かく探りながら旋律を作り、声の出し方にもChakiの指示が入りました。
どの箇所でも同じ濃さで感情を加えるのではなく、もっと気持ちを出してよい場所を確かめる制作です。
メロディを正しくなぞることと、その音をどう歌うかが、別々に検討されています。

オートチューンを使う時も、Shotaは録音後に処理すると説明しています。
「IMA」のように、加工によって生まれるニュアンスも本人は大切にしています。
加工を使う歌が表現に乏しく、使わない歌だけが本当の歌、という区別にはなりません。
その曲で欲しい声の質感を選ぶ、一つの手段なのです。

「月見想」は、声色と感情が合うキーを探す

「月見想」では、キーを試し、蔦谷の近くで歌える環境も作って、声色と感情が合うところを探しました。
前半の声は、残響を抑え、目の前で話すような近さに仕上げています。
一方、サビでは中央と左右の声を重ね、低いオクターブの歌も加えました。
中央の一人を残しつつ、周囲を広げる設計です。

サビが厚く聞こえても、一人が一度にすべての音を出しているわけではありません。
主旋律が担う声と、重ねた声が作る広がりを分けると、必要以上に太い声を作ろうとせずに済みます。
また、キーを決める時も、高い音が出るかだけが基準ではありません。
その高さで、曲の人物に合う言葉が出るか。
声色を選ぶという視点が、歌の印象を変えます。

本人は、小さなビブラートにも気持ちが表れることを実感しました。
わずかな変化まで届く曲では、細部を隠さず残すことが、歌の表情になります。

重ねる声を減らし、一人の歌で聞かせる選択もある

DREAMS COME TRUEの「空を読む」をカバーした時には、得意なコーラスを重ねず、自分の声を前へ置く方向を選びました。
声を足して広げる「月見想」と、足さずに一人の歌へ集める「空を読む」。
曲によって、歌を聞かせる方法自体を変えています。

「月見想」では、声を囲むピアノやギターの温かさも大切にされました。
本人は、つらい内容を歌いながらも、その音の温度が救いになることを望んでいます。
悲しい言葉だから、声も伴奏もすべて冷たくする、という作り方ではありません。

対して「ENOSHIMA ORANGE BLUE」は、構えすぎずに歌えるフックを目指した曲です。
「Fantasize」では、短い共同制作の場で録った歌が、そのまま作品に使われました。
じっくり条件を探す曲と、その場の反応を生かす曲の両方があります。

Aile The Shotaの歌い方から見えてくるのは、柔らかい声を一種類だけ覚える方法ではありません。
声の芯を保ち、歌いすぎず、必要な言葉には気持ちを乗せる。
さらに、声を重ねるか、一人で聞かせるかまで曲に合わせる。
同じ声のままでも、こうした選択で歌の距離と表情は変わっていきます。

その選択肢をどう増やしてきたかは、Aile The Shotaの歌声の変遷でたどっています。

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