中村未来（Cö shu Nie）の歌い方｜激しい曲を、激しい声だけで歌わない

Cö shu Nieの中村未来は、重いギターの音楽が好きだと話します。
一方、自分の声については、息を多く含む声だと説明しています。
激しい演奏に合わせて声まで荒くするのではなく、違う質感の声をどう曲へ置くか。
歌い手であり、作曲と編曲も担う中村は、その問いを一曲全体で考えています。

「asphyxia」は声まで強く張り上げない

「asphyxia」は、細かく動く楽器と旋律が一度に押し寄せる曲です。
これほど演奏が激しいと、歌も力で押さなければ埋もれるように思えます。
しかし中村は、自分の声が派手すぎないことが、かえって派手な曲と合うと話しています。
同じ強さを上乗せせず、異なる質感で曲の中心を作るのです。

2019年の『THE FIRST TAKE』では、同曲をピアノと声だけで披露しました。
編成が変わると、次の音へ跳ぶ旋律や言葉の細かな切れ目が見えやすくなります。
バンド版の演奏が作る緊迫感と、旋律自体が持つ動きは、別々に注目できる面白さです。

覚えやすい旋律に、歌う難しさを隠す

ベースの松本駿介は、中村のメロディーを、耳では覚えやすいのに歌うと音程がよく動く、と説明しています。
音を高く出せるかだけが難しさではありません。
どこから次の音へ入り、どの言葉を一息でつなぎ、楽器のリズムのどこへ着地するか。
親しみやすい旋律の中にも、細かな選択があります。

中村は歌を楽器の一つとして作ることが多かったと話しています。
歌だけを取り出して大声で聴かせるのではなく、ベースやドラムが動く場所と歌の動きを組み合わせる。
独特の曲なのに旋律を覚えてしまうのは、その設計が歌に耳を戻してくれるからかもしれません。

低い声、重ねた声、言葉のリズム

中村の声は、透明感という一語では収まりません。
2022年の「fujI」では低い声から始まり、終盤にはフェイクも入ります。
松本は、その低い帯域を長めに聴けることと、感情を大げさにしすぎない歌に注目しました。

同じアルバムの「病は花から」では、多重コーラスや声で作るリフが曲を動かします。
中村自身、言葉の詰め方を楽しんだと話しています。

「fujI」で中村が大切にしたのは、旋律を邪魔せずに体が乗れる、跳ねるリズムでした。
低い声を長く聴かせるAメロでも、単に落ち着いた音色だけを見せるのではなく、言葉とリズムの関係を作っています。
松本が最後の歌について語ったのも、感情を最大限に膨らませることより、その言葉を口にする人の顔や動きが浮かぶ加減でした。

一方、「病は花から」の声リフは、声で短い音の型を作り、曲を動かす役割です。
低い声の旋律、重ねたコーラス、言葉を詰めていく面白さが、一曲の中に同居しています。
高音だけを追うより、声が旋律を担っているところと、リズムを作っているところを分けて聴くと、中村の表現の幅が見えてきます。

ここでは声の高さや息の多さだけでなく、何人分にも重ねるか、言葉をどう刻むかが歌い方になります。
派手な曲でも声を荒らす必要はない。
声の配置そのものが演奏の一部なのです。

「青春にして已む」では、歌のために音を足さない

反対に、歌の周りを埋めないことで成り立つ曲もあります。
「青春にして已む」の伴奏について、中村は何かを入れようとしても余分になり、その状態ですでに完成していたと説明しました。
音数が少なくても、音と音の間には必要な間があると感じていたそうです。

複雑な演奏を作れる人が、ここでは旋律に従って音を引いている。
歌を前に出す方法は、声をより強くすることだけではありません。
ほかの音が動かない場所を作れば、言葉の続きやフレーズの終わりへ自然に注意が向きます。
「病は花から」の声の重なりと比べると、歌に何を任せるかで曲の密度を選んでいることが分かります。

「ANAAKI ANANKE」は歌いながら形を見つける

2026年の「ANAAKI ANANKE」には、サビの終わりで旋律がひと癖ついて上がる箇所があります。
中村は、そこを歌いながら作った気がすると説明しました。
仮の言葉で歌った後、同じ発音を持つ言葉を探すのには苦労したそうです。
先に歌う体の動きがあり、後から言葉を合わせる作り方がここにも残っています。

一方、2022年の『Flos Ex Machina』以降は、言葉を聴き手へ届けることも強く意識するようになりました。
声を音として使う力と、歌詞を伝える力の関係がどう変わったかは、中村未来の歌声の変遷の記事でたどれます。
ここで押さえたいのは、現在も中村が旋律を実際に歌いながら形にしていることです。

「Renegade」は別の声を迎えて完成する

「Renegade」では低く重い音にラップが加わります。
中村は、自分の息っぽい声で激しい曲を作るには、もう一つ要素が要ると考え、Kaz Skellingtonに参加を頼みました。
自分が出せない声を無理にまねるのではなく、異なる声を隣に置く。
その判断も、中村にとっての歌の作り方です。

参加の頼み方にも、その役割分担が表れています。
中村は自分が書いた歌詞を渡し、それを踏まえてKaz自身のラップを自由に書いてほしいと依頼しました。
Kazにとっては、変拍子の曲でラップする初めての経験だったといいます。

中村が求めたのは、声の迫力だけではありません。
自分とは違う言葉の選び方や、拍への載せ方を持つ歌い手と組むことで、歌の動きそのものを増やしていました。
旋律を歌う声とラップがそれぞれに働く曲として聴けば、二人の個性を並べた意味が伝わります。

「evergreen」は、聴き手の声で感情の頂点を作る

声を招き入れる方法は、プロの歌い手との共演だけではありません。
『SATURATED (in monochrome)』の最後の曲「evergreen」には、ファンクラブのイベントで録音した参加者たちの声が使われています。
中村は、その声を編集してコーラスとして入れ、物語を閉じたかったと話しました。

本人の説明では、みんなが歌うところで感情が最も高まるように作ったそうです。
ギターもみんなと歌うように重なり、最後は余韻を残して終わる。
激しい音を増やして頂点を作る曲とは異なる、声が集まることによる盛り上がりです。

中村の歌に聴き手の声が重なると、個人の言葉が誰かと共有する言葉になります。
自分の歌をどこまで前へ出すかだけでなく、最後を誰の声と一緒に迎えるか。
その判断まで含めて、歌が届く形を作っているのです。

中村未来の歌を聴くときは、どれだけ強く出したかだけでなく、声と楽器のどちらに動きを担わせたかを追うと面白くなります。
息を含む声を生かす「asphyxia」、声そのものを重ねる「病は花から」、歌って見つけた節回しを残す「ANAAKI ANANKE」、別の声を迎える「Renegade」。
中村は曲ごとに、声がいちばん働く場所を選んでいるのです。

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